viernes, 22 de octubre de 2010

El fantasma del desván

Hoy me voy a acercar aun grupo que hace tiempo que dejé de frecuentar, entre otras cosas por su escasa actividad, sus vaivenes, cambios de formación y otros entresijos internos que me han hecho pensar en más de una ocasión en su desaparición. Se trata de la banda de rock La Frontera.

Es un grupo que surge a mediados de los 80 con un estilo de rock próximo al country que parecía mirar en el spaghetti-western a la hora de crear sus canciones. Su éxito comercial lo alcanzan con su cuarto álbum de estudio, ‘Rosa de los vientos’, publicado en 1989 y en el que nos encontramos con el tema más conocido de la banda y por el que todos en general la recordamos: ‘El límite’. Tras este éxito sacan, dos años después, un nuevo LP bajo el título ‘Palabras de fuego’ que pasa sin pena ni gloria.

Fue en 1992 cuando La Frontera toca el cielo de la popularidad con la grabación de su disco en directo ‘Capturados Vivos’ en el que mostraban su potencial como banda en vivo y en el que hacen un repaso de su discografía. El concierto se grabó en Sevilla durante la Exposición Universal de 1992 y contaron para ello entre sus filas con la mítica guitarra de Guille Martín.

Tras una larga gira con motivo de este disco las cosas cambiaron en la banda. El “alma mater” seguía intacta (esto es Javier Andreu a la voz y Tony Marmota con el bajo), pero se hicieron acompañar por una banda totalmente diferente, más joven y con otra forma de entender la música. El disco se titulo ‘La rueda de las armas afiladas’ y su publicó en 1995, un año extraño (se trata de una apreciación personal) en el que bandas clásicas de la escena rock nacional editaron discos un tanto particulares; más crudos y oscuros de lo habitual. Este es el caso del LP que nos ocupa, que incluía una canción titulada ‘El fantasma del desván’ en el se puede apreciar como la banda ya no acomete los temas desde la perspectiva country que siempre les había caracterizado y de cómo se deja notar la influencia de los nuevos miembros, sobre todo en las guitarras.

Después de este disco su carrera se ha visto salpicada de numerosos altibajos, desapariciones y reapariciones de la escena, pero apenas han logrado contactar nuevamente con el gran público (aunque si han mantenido el pulso con su grupo de fans e incondicionales), lo cual no se puede decir que sea bueno ni malo (es tal vez un signo de los tiempos).

En cualquier caso este ‘El fantasma del desván’ es un tema que merece la pena disfrutar y que a mi me atrajo desde la primera escucha, tanto en su forma como en su contenido.


El fantasma del desván - La Frontera

Regresa la actividad a Subid la Música

Efectivamente después de varios meses sin publicar nada en Subid la Música, vuelve la actividad (esperemos que con la irregularidad que venía siendo habitual). Hemos estado trabajando en nuevos proyectos, uno de los cuales se encuentra muy relacionado con este blog. En breve, si las cosas siguen su curso, tendreis noticias de él. Entre tanto espero que sigais disfrutando de la música que desde aquí ofrecemos.

Gracias por estar ahí (especialemente a los incondicionales Leira y Oulanem) y por los comentarios que seguro dejareis.
jueves, 8 de julio de 2010

Hace calor

Kiko Veneno es uno de esos artistas grandes pero humildes, con, tal vez menos reconocimiento del que mereciera. Participó de pleno en el germen de lo que se llamó “nuevo flamenco” y que a la larga no sabemos si nos ha dado más satisfacciones o dolores de cabeza (de la mano de los que se han ido subiendo al carro sin tener idea de qué se trataba el asunto… supongo que a muchos se nos vienen a la cabeza más de una docena de nombres).

La canción que de él hoy les traigo ’Hace calor’, y que no me negarán viene al pelo, salió como primer single del LP ‘Esta muy bien eso del cariño’ (1995), un puñado de buenos temas llenos de ritmos pegadizos y con unas letras en las que el artista, marca de la casa, hilvana lo cotidiano y lo trascendente. Kiko Veneno estaba viviendo un momento dulce dentro de su carrera, su anterior colección de canciones ‘Échate un cantecito’ (1992) obtuvo unos muy buenos resultados auspiciados quizá todo ello por el pequeño empujón que le dio su alianza con Santiago “Juan Perro” Auserón.

‘Hace calor’ destila sencillez, buen humor y alguna que otra píldora de verdades verdaderas… “para qué quieres la información si no la usas” nos dice entre verso y verso, como el que no quiere la cosa…

Protéjanse bien de la canícula y disfruten de esta canción y del video clip que para la ocasión realizaron.


Hace calor - Kiko Veneno
miércoles, 9 de junio de 2010

Where's my sugar?

Vinila von Bismark & The Lucky Dados ¿de dónde sale esta gente?

Vinila es llamada la reina del “burlesque”, personaje icónico y fascinante, una auténtica pin-up, sensual y provocativa. The Lucky Dados son un trío de rockabilly con una trayectoria de más de 10 años.

Vinila von Bismark y The Lucky Dados se conocieron en un concierto y desde ese momento se puso en marcha la maquinaria que dio como resultado un disco: ‘The Secret Carnival’.

Nada sabía de ellos hasta hace unos meses cuando tuve oportunidad de escuchar uno de los temas que componen su disco en Radio 3, emisora que da cobertura musical a mis trayectos matutinos en automóvil.

Si bien es difícil que The Lucky Dados fuesen, hasta ahora, conocidos fuera de los ambientes del rockabilly más underground y purista, he podido comprobar que Vinila es ya, desde hace unos años, todo un personaje, con portada de Interviú incluida, lo cual demuestra una vez más mi absoluta desconexión con ciertos círculos de realidad.

‘Where’s my sugar?’ es el tema que os traigo hoy toda una experiencia audiovisual que os transportará a aquellos maravillosos años pero pasados por el tamiz de nuestro frenético presente.


Where's my sugar? - Vinila von Bismark & The Lucky Dados
viernes, 7 de mayo de 2010

Nadie ma va a añorar

Tras el bache que supuso ‘El muchacho eléctrico’, desde la compañía de discos se le propone a Jaime Urrutia la grabación de un disco en directo con ciertas colaboraciones. Urrutia siempre ha sido reticente con este tipo de discos, pero en el momento creativo en el que se encontraba en 2007, la propuesta le viene que ni pintada para ganar tiempo de cara a la publicación de una nueva colección de canciones originales, máxime cuando en más de 20 años de carrera musical jamás hizo uso de esa baza. Jaime Urrutia es un artesano de canciones, al que le gusta mucho cuidarlas en todos sus aspectos, y para eso se requiere tiempo, tal vez lo que le faltó a su anterior trabajo.

Aunque uno intuye las cosas, no sabemos exactamente como se cocinó el asunto, pero el resultado fue el siguiente: La sala donde se realizará el concierto sería la Joy Eslava (parece ser que la decisión fue tomada por el propio Urrutia, aconsejado por el bajista Ambite, antiguo miembro de Los Pistones y actualmente de Los Corsarios, la banda que acompaña a Jaime en directo desde ‘Patente de Corso’); como productor se elije a Carlos Narea (asegurándose de esta forma la calidad del resultado); los músicos, básicamente Los Corsarios, como no podía ser de otra manera; el repertorio, una mezcla a partes iguales de sus éxitos con Gabinete Caligari y en solitario (pocas sorpresas pero agradables, como ‘Delirios de Grandeza’, un tema que apareció en el recopilatorio que en 1993 publicó la banda y del cual EMI tiró el master); y por último los invitados (hoy en día parece impensable un proyecto de estas características sin invitados), se nota a la legua que ahí metieron mano la discográfica y el manager, de otra manera no se explican ciertas apariciones.

Con estos ingredientes nos preparan un jugoso plato en forma de DVD que además del concierto recoge un documental al respecto y un CD (que en palabras del propio Urrutia sólo sirve para poder ponerlo en el coche, efectivamente, el plato fuerte es el DVD).

Cuando supe de la grabación del concierto con invitados me invadió la curiosidad de saber qué invitados aparecerían y cómo sonarían las canciones de Urrutia en sus voces. Algunas confirmaciones y algunos descartes desinflaron esa ilusión inicial. Una vez visto y oído el concierto, he de decir que salvo honrosas excepciones (casi todas las esperadas), en general me gustan más los temas cantados por Jaime Urrutia sin invitado. Sí que me gusta ‘Camino Soria’ con Amaral, ‘El calor del amor en un bar’ con Bunbury y ‘Cuatro Rosas’ con Pereza no desmerecen, ‘Caray’ con Loquillo es ya un clásico que no produce sorpresa y ‘¡Qué barbaridad!’ con la guitarra de Ariel también me parece sobresaliente. El resto no me acaba de convencer, quizá falló la química entre los artistas…

La otra sorpresa grata en cuanto a la elección del repertorio que incluye este ‘enJoy’ es ‘Nadie me va a añorar’ una especie de canto del cisne de los desparecidos Gabinete Caligari, aparecido en su último LP ‘Subid la Música’ (1998). Tuve la oportunidad de escuchar esta canción en directo en un concierto de presentación de ‘Patente de Corso’ y ya entonces me sobrecogió, así que tenerla registrada en DVD me pareció un regalo magnífico.

Al respecto de ‘Nadie me va a añorar’ tal vez cuente algún día la historia de los últimos años de Gabinete Caligari y los inicios de Jaime Urrutia en solitario a través de sus canciones… algo así como “el ascenso y caída de una banda en cinco canciones…” ya se verá…

Disfrutad de la soberbia interpretación de este ‘Nadie me va a añorar’, lamentablemente no he localizado ningún video con la suficiente calidad, por lo que sólo pondré el audio.


Nadie me va a añorar - Jaime Urrutia
viernes, 30 de abril de 2010

Cariño

Tres años después de ver la luz ‘Patente de corso’ Jaime Urrutia saca su segunda colección de canciones desde que inició su carrera en solitario. El disco que debía afianzar su carrera en solitario resultó decepcionante. Ya su portada no hacía presagiar nada bueno. ‘El muchacho eléctrico’ (2005) resultó ser un disco flojo, supongo que por falta de tiempo. El largo recorrido que tuvo ‘Patente de corso’ apenas dejó un año y medio o dos para la composición de los temas y la grabación del disco.

Las letras de las canciones no están al nivel al que Urrutia nos tiene acostumbrados y en algunos temas da la impresión de que intentar repetir algunas formulas melódicas y algunos ritmos que funcionaron bien en ‘Patente de corso’, pero que en ‘El muchacho eléctrico’ no llegan a convencer.

Como guinda al pastel, el disco se lanza con un single que consigue que, por su letra humorística, no se tome en serio un trabajo, que si bien no está al nivel de lo anteriormente publicado por el artista, si que contiene algunas muy buenas canciones (algo más de la mitad). Para cuando sale como segundo single ‘Nada por aquí’ (cantada a dúo con Bunbury) el disco ya estaba sentenciado a no despuntar.

No obstante, ‘El muchacho eléctrico’ merece una oportunidad, pues en el nos podemos encontrar con algunas gratas sorpresas como son ‘Pitusa’ o este ‘Cariño’ que hoy os traigo, que dedico, como dice el primer verso de la canción a “todas esas chicas que padecen un ataque de importancia…”


Cariño - Jaime Urrutia
martes, 20 de abril de 2010

Vestida para mi

Cuando en el año 2001 se anunció que Jaime Urrutia preparaba nuevo material tras la disolución dos años antes de su banda, Gabinete Caligari, puedo suponer que pocos dentro del gremio de los críticos musicales apostaban por el disco. No creo que les mereciese mucha atención el olvidado cantante de una vieja banda de rock injustamente ninguneada por los medios en sus últimos años de existencia.

Cuando en 2002 publica al fin ‘Patente de corso’ esos mismo críticos tuvieron que guardar sus afiladas lenguas y reconocer en su justa medida el valor de una obra honesta y de calidad.

Para su debut musical en solitario, Urrutia supo cuidar los detalles y pisar sobre seguro. Músicos de reconocido talento para la grabación de los temas; Esteban Hirschfield como mano derecha; Jesús N. Gómez, productor de los primeros discos de Gabinete Caligari a los controles técnicos (este le restó empaque rockero al disco, virando hacia el pop, cosa que también se puede apreciar en las colecciones de la banda producidas por él); García-Alix para la sesión de fotos y las Ventas como escenario. Se cuidó también, de no incluir colaboraciones con compañeros de viaje de relevancia mediática. Urrutia quería probar sus fuerzas con este primer disco y cualquier colaboración de las que le ofrecieron lo habría desvirtuado.

Sin perder de vista el sonido fraguado por su anterior banda, este ‘Patente de corso’ suena diferente. Más luminoso y optimista. Se atreve con sonoridades que tal vez no tenían cabida en el discurso musical de Gabinete Caligari. El caso es que se trata de un muy buen disco con un puñado de buenas canciones.

La que he elegido hoy no llegó a salir como single, si lo hicieron otras muchas de este disco que tuvo un recorrido bastante largo. Se trata de ‘Vestida para mi’ de la que llegaron a decir que sonaba a canción de Serge Gainsbourg. Fetichismo, obsesión, sexo implícito, relaciones personales, complicidad…todo se mezcla en una letra muy cuidada arropada por un magnífico envoltorio pop.


Vestida para mi - Jaime Urrutia
martes, 16 de marzo de 2010

A.H.E.A.

Ayer se presentó en la FNAC de Sevilla ‘Siete’ el flamante nuevo EP de Marvin Green. Se trata de un disco muy equilibrado (a pesar de contar tan solo con cinco cortes). El “Extended Play” o EP es un formato que me gusta particularmente. Con la edad me he vuelto perezoso e impaciente, me cuesta mucho enfrentarme a álbumes de 12, 15, 20 canciones, álbumes dobles, álbumes triples… ¡uff!. Prefiero estas pequeñas dosis, y que me vayan llegando con asiduidad, que pararme a escuchar discos interminables. No reniego de los LPs, al fin y al cabo es el formato que reina en la industria desde hace muchos años y han demostrado ser buenos a nivel comercial hasta ahora (el tiempo dirá hacia donde nos llevan las procelosas aguas de la crisis en la industria musical), pero no muchas más de 9 ó 10 canciones por favor…

‘Siete’ es una pequeña dosis de energía, vital y colorista. Se trata de un disco lleno de melodías optimistas y mucho ritmo, con letras muy cuidadas e intimistas con algunos versos un tanto herméticos, en la línea de su anterior trabajo ‘No pasa nada’.

Soul, funk y rock&roll, eso es lo que promete Marvin Green y esos es lo que nos ofrecen, sentimiento soul, la chispa que otorga el funk y la energía del rock&roll, todo en su justa medida, para brindar un resultado que, al menos en mi opinión, no defrauda.

La más rockera de todas las pistas que contiene ‘Siete’ , aunque sin perder de vista el soul y el funk, es ‘Abierta hasta el amanecer’ (o ‘A.H.E.A.’ como aparece en los créditos del disco) una descarga de adrenalina genial en la versión plastificada y sobresaliente en directo (a quién va dedicada no lo se, pero no le arriendo la ganancia…).

Todo un acierto los arreglos de teclado a cargo de Juan C. Millán, que adornan las canciones de este ‘Siete’, y todo un logro por parte de Marvin Green que no los echemos en falta en su contundente directo.

Señoras y señores, sonido Marvin Green, “Soul & Funk & R&R!!”


A.H.E.A. - Marvin Green
viernes, 12 de marzo de 2010

King Cry Baby

Hay una película, que aunque no tuvo gran repercusión en su estreno con el tiempo se ha convertido en un film de culto. Se trata del musical “Cry Baby” (1990). La vi infinidad de veces durante mi adolescencia. Mis maneras de rocker se fueron alimentando con esta y otras películas, algunas de dudosa calidad.. Tupé, patillas, camiseta blanca, jeans, botas de puntera, teddys, cinturón de hebilla ancha, un gesto una pose, una expresión y mucha música…supongo que todos hemos jóvenes alguna vez (salvo los que aun lo sean… espero).

“Cry Baby” es una especie de versión gamberra y desvergonzada de “Grease” con referencias y guiños a otras muchas películas sobre las bandas de adolescentes del EE.UU. de los años 50. Altamente recomendable para pasar un buen rato y con una banda sonora repleta de buen rockabilly, con temas compuesto ex profeso para la película y covers de clásicos de aquellos años 50.

Uno de los temas creado para esta banda sonora es ‘King Cry Baby’ de Doc Pommus y Dave Alvin e interpretada por James Intveld, que pone la voz de Wade Walter “El lágrima” en todos los temas que interpreta en la cinta y Rachel Sweet que presta su voz a Allison, la “square” (niña bien) que se enamora del “drape” (delincuente juvenil).

Banderas sureñas, gomina, teddys,… señoras y señores, esto es rockabilly


King Cry Baby - James Intveld
jueves, 25 de febrero de 2010

Verano fatal

Hace un par de semanas tuve oportunidad de escuchar el trabajo conjunto que publicaron en 2007 los ínclitos Nacho Vegas y Christina Rosenvinge: ‘Verano fatal’. He de confesar que cuando supe de la publicación del LP compartido, no sentí demasiada curiosidad por oírlo, dado que, si bien se trata de dos artistas que a priori no me desagradan (los dos poseen ya una entrada en este blog) incluso podría afirmar que me gustan, no es menos cierto que ambos son capaces de componer magníficos temas de lo más aburrido. En su descargo tengo que admitir que del mismo modo son capaces de hacer canciones muy muy buenas y divertidas en todos los sentidos.

Este ‘Verano Fatal’ tiene un poco de todo eso (así por ejemplo ‘Humo’ es una magnífica canción, pero demasiado lenta y "arrastrada" para mi gusto). De quien más tiene es de la Rosenvinge (casi no hace falta mirar los créditos para darse cuente de ello), se nota su sello en casi todos los temas, especialmente en ‘No lloro por ti’ (Christina en estado puro) y también, si me apuras, en la que da título al álbum y a este post ‘Verano fatal’, a pesar de tratarse de un tema compuesto alalimón.

‘Verano fatal’ me cautivó desde la primera escucha, un trallazo rock compuesto de riffs perfectos, mucha energía y guitarras sucias. De alguna manera han conseguido que me suene a la vez ramplón y original, como si le hubiesen insuflado un soplo de frescura al rock de siempre.

Mención aparte merece el videoclip realizado para este tema, un cúmulo de despropósitos, con toda probabilidad más divertido para los protagonistas que para el espectador. No se lo pierdan.

Disfruten de este tema y no olviden hacer caso a lo que diga la mujer del tiempo…



Verano fatal - Nacho Vegas & Christina Rosenvinge
sábado, 20 de febrero de 2010

Ashes to ashes

Hace hoy dos años que decidí poner en marcha un proyecto que llevaba un tiempo rondando por mi cabeza, se trataba de "Subid la Música" un lugar que sirviese no sólo para hablar de la música que nos gusta sino en el que se pudiesen abrir foros de debate y en el que las canciones se nutriesen con nuestras experiencias.

En estos dos años han pasado muchas cosas: momentos de gran actividad y participación y otros de absoluto silencio. Mi ilusión por el proyecto también ha sufrido altibajos. Solo la participación activa de colaboradores, seguidores y lectores en general han logrado que “Subid la Música” no naufrague definitivamente como ha ocurrido con otros proyectos.

Han sido 46 post en estos dos años… teniendo en cuenta que durante 11 meses el blog careció de la más absoluta actividad, el resultado si bien se muestra no excesivamente prolijo, tampoco esta del todo mal. De entre todos esos post hay algunos que me proporcionaron una gran satisfacción escribirlos, como por ejemplo el dedicado a ‘Brand New Cadillac’, o los especiales de Loquillo, otros me traen un recuerdo menos dulce porque esperaba más de ellos… (no obtuvieron el feedback que pensé que merecían). Ha habido alguna sorpresa que otra, como por ejemplo ‘Waltzing Matilda’ que aun hoy reporta no pocas visitas diarias, encabezando con diferencia las estadísticas…

Desde aquí quiero agradeceros a todos, lectores habituales, esporádicos o puntuales, seguidores y colaboradores, vuestra participación ya que es eso y no otra cosa lo que da sentido a un blog… alguien dijo que no estaba escrito si no era leído.

Para conmemorar este segundo aniversario de “Subid la Música” que mejor que volver a contactar con el Comandante Tom como ya hiciéramos aquel 20 de febrero de 2008 pero esta vez en el tema de 1980 ‘Ashes to ashes’ también, como no de David Bowie.

Espero que disfruten de esta composición del “Duque Blanco”, no tan gloriosa como el ‘Space Oddity’ que sirvió de punto de partida para este blog y con unos arreglos muy de su momento, pero que no obstante, no desmerece a su predecesora.



Ashes to ashes - David Bowie

lunes, 8 de febrero de 2010

Penélope (...y alrededores)

Este es un post de carácter especial en el que, además de una canción, analizamos toda una temática. En el propio post sólo se puede escuchar la canción que le da título, pero el resto de ellas enlazan con reproductores desde los que podréis escucharlas, siempre bajo vuestra responsabilidad.

En la Odisea de Homero Penélope, aguarda durante largos años el retorno de Ulises, que demora su regreso en cientos de aventuras de toda índole. El tiempo no transcurre de igual forma para la una que para el otro. Ulises evoluciona y envejece con las experiencias, pero para Penélope el tiempo parece como si apenas transcurriera.

Este mismo esquema "Penélope-Ulises" lo podemos encontrar en un gran número de relatos, novelas, películas y por supuesto en canciones, tratado con mayor o menor fortuna y con variaciones de todo tipo. Como cabe esperar, desde estas líneas me fijaré únicamente en las canciones que, de alguna manera, adoptan este patrón, y por supuesto sólo en un ramillete de ellas.

La más fiel al texto clásico de todas las que he seleccionado, y la que en realidad da origen a este post es ‘Penélope’, canción que data de 1969, y que fue escrita por el genial Joan Manuel Serrat, con música de Alberto Algueró. ‘Penélope’ puede interpretarse como una relectura del relato de los reyes de Ítaca, si bien con un final más triste que el del clásico de Homero. Doblemente triste, me atrevería a decir. Porque si, por un lado, interpretamos que el viajero de la canción es un Ulises que corre mil aventuras sin, en realidad, poner empeño en el regreso, la desolación es grande por la pobre Penélope cuya juventud se ha marchitado esperando al amado; y que a la hora del reencuentro, es incapaz de reconocer al hombre experimentado que regresa, esperando como espera a un muchacho, el que la dejó aguardando en un banco de la estación. Pero si, por el contrario, la prolongada ausencia del amor de Penélope no es intencionada sino que responde a fuerza mayor (se que resulta difícil, pero por una vez pensemos bien de este pobre hombre), la tristeza es doble, por ella y por él que además es consciente de la perdida que este desenlace supone para ambos.


Penélope - Joan Manuel Serrat

Con posterioridad a ‘Penélope’ se han escrito más canciones que tratan este mismo tema o uno parecido, pero da la impresión de ser todas herederas de esta genial obra y en algunos casos distorsionar o degenerar el mensaje de la misma tomando como principal lo que en el original podría ser accesorio. Esta distorsión consiste a mi parecer en tratar al personaje de Penélope como si estuviese loca. Pero no nos engañemos, Penélope no está loca, el que regresa, efectivamente, ya no es el que se fue. El tiempo y las experiencias vividas lo han cambiado de manera definitiva.

Así tenemos, y continuamos por riguroso orden cronológico, ‘La llamaban loca’ de José Luís Perales, popularizada por el grupo vocal Mocedades allá por el año 1982. No se ajusta tanto al patrón Penélope-Ulises que sirve de excusa para este texto, pero me he decidido a incluirla por dos razones. La primera porque el eje conductor de la historia es la mujer que aguarda el regreso de su amor (aunque aquí en realidad no queda del todo claro que se trate de un abandono al uso). Y segundo, porque como adelanta el título, aquí se habla claramente de la locura a la que le lleva la espera.

Pues bien, el resto de canciones están compuestas por una mezcla en distintas proporciones de ‘Penélope’ y ‘La llamaban loca’. Desde ‘Lady lady de 1984 que es descaradamente parecida al tema compuesto por Perales pero con una letra en ocasiones sonrojante. Hasta 'En el muelle de San Blas' (1997), que se aproxima más a ‘Penélope’ pero sin conseguir un final tan triste e introduciendo el factor locura. Pasando por ‘Naturaleza muerta’ (1991) de unos Mecano a los que se les estaban agotando las ideas (parecen querer repetir el patrón de ‘Hijo de la Luna’ de pretendida leyenda popular), y en la que sólo el personaje femenino responde al patrón que estamos planteando.

Con mayor o menor fortuna pasan todas estas composiciones por el tema de la espera del ser amado. Mención aparte merece la última de las canciones que se aproximan a la figura de Penélope. Se trata de ‘Cuando hay amor’ de Peña Suazo y la Banda Gorda (1999) en la que por fin Penélope se reencuentra con su amor y son felices y comen perdices. Enhorabuena a estos grandiosos artistas por dejarles vivir su amor como es debido.
miércoles, 20 de enero de 2010

Michelle

Alguien dijo que The Beatles lo inventaron todo en el pop, incluso aquello de separarse en el mejor momento. A estas alturas de la película no voy a ser yo quien descubra nada nuevo sobre ellos, ni lo pretendo, y mucho menos de una canción tan radiada y oída por todos como ‘Michelle’. Pero quizá si pueda aportar un pequeño dato y mi opinión personal sobre la misma.

‘Michelle’ (tema incluido en el LP ‘Rubber Soul’ publicado a finales de 1965) es una balada, sin más pretensiones, pero con una letra, según mi parecer, deliciosamente sencilla. McCartney la comenzó a pergeñar tras escuchar ciertas canciones francesas en una fiesta. Pero no fue él quien le dio forma definitiva sino Lennon, aportando un contrapunto melancólico, influenciado por el blues, al optimismo o ligereza con que en principio acometió Paul este tema.

El uso de versos en francés, sugerencia de John, la acerca aun más si cabe a la canción francesa, el deje blues del que hablábamos antes que le confiere esa melancolía nada ajena a muchas de las canciones salidas de la factoría The Beatles, y la reiteración en los versos iniciales de todas las estrofas que transmite perfectamente el desespero por hacerse entender que tiene el protagonista de la canción para con esa Michelle, que es causante de sus desvelos, todo confiere sentido a esta canción, nada sobra.

Para los que aseguran categóricamente que la mejor forma de saber quien compuso una u otra canción dentro del tándem Lennon-McCartney es fijarse en quien la interpreta, nos encontramos con que ‘Michelle’ es un perfecto contraejemplo, porque si bien el intérprete es McCartney, en este tema, su aporte principal se encuentra en la letra, mientras que el peso compositivo de la música recayó en su mayor parte sobre John Lennon.

Abierto queda el eterno y aburrido debate de determinar cual de ellos tenía más talento. Desde mi punto de vista es una discusión estéril, puesto que lo que mejor funcionaba era la sociedad que esos talentos formaron. Por supuesto el asesinato de John Lennon a las puertas del Edificio Dakota lo convirtió automáticamente en mito y por ello, como ocurre con los grandes toreros que mueren en la plaza, en caballo ganador.



Michelle - The Beatles
Blog colectivo sobre música, ecléctico por definición, en el que, a modo de viejos locutores de radio, cada cual pincha y comenta sus temas musicales favoritos.

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