Subid la Música

El fantasma del desván

2010-10-22T10:04:00.007+02:00

Hoy me voy a acercar aun grupo que hace tiempo que dejé de frecuentar, entre otras cosas por su escasa actividad, sus vaivenes, cambios de formación y otros entresijos internos que me han hecho pensar en más de una ocasión en su desaparición. Se trata de la banda de rock La Frontera.

Es un grupo que surge a mediados de los 80 con un estilo de rock próximo al country que parecía mirar en el spaghetti-western a la hora de crear sus canciones. Su éxito comercial lo alcanzan con su cuarto álbum de estudio, ‘Rosa de los vientos’, publicado en 1989 y en el que nos encontramos con el tema más conocido de la banda y por el que todos en general la recordamos: ‘El límite’. Tras este éxito sacan, dos años después, un nuevo LP bajo el título ‘Palabras de fuego’ que pasa sin pena ni gloria.

Fue en 1992 cuando La Frontera toca el cielo de la popularidad con la grabación de su disco en directo ‘Capturados Vivos’ en el que mostraban su potencial como banda en vivo y en el que hacen un repaso de su discografía. El concierto se grabó en Sevilla durante la Exposición Universal de 1992 y contaron para ello entre sus filas con la mítica guitarra de Guille Martín.

Tras una larga gira con motivo de este disco las cosas cambiaron en la banda. El “alma mater” seguía intacta (esto es Javier Andreu a la voz y Tony Marmota con el bajo), pero se hicieron acompañar por una banda totalmente diferente, más joven y con otra forma de entender la música. El disco se titulo ‘La rueda de las armas afiladas’ y su publicó en 1995, un año extraño (se trata de una apreciación personal) en el que bandas clásicas de la escena rock nacional editaron discos un tanto particulares; más crudos y oscuros de lo habitual. Este es el caso del LP que nos ocupa, que incluía una canción titulada ‘El fantasma del desván’ en el se puede apreciar como la banda ya no acomete los temas desde la perspectiva country que siempre les había caracterizado y de cómo se deja notar la influencia de los nuevos miembros, sobre todo en las guitarras.

Después de este disco su carrera se ha visto salpicada de numerosos altibajos, desapariciones y reapariciones de la escena, pero apenas han logrado contactar nuevamente con el gran público (aunque si han mantenido el pulso con su grupo de fans e incondicionales), lo cual no se puede decir que sea bueno ni malo (es tal vez un signo de los tiempos).

En cualquier caso este ‘El fantasma del desván’ es un tema que merece la pena disfrutar y que a mi me atrajo desde la primera escucha, tanto en su forma como en su contenido.

El fantasma del desván - La Frontera

Regresa la actividad a Subid la Música

2010-10-22T09:55:00.003+02:00

Efectivamente después de varios meses sin publicar nada en Subid la Música, vuelve la actividad (esperemos que con la irregularidad que venía siendo habitual). Hemos estado trabajando en nuevos proyectos, uno de los cuales se encuentra muy relacionado con este blog. En breve, si las cosas siguen su curso, tendreis noticias de él. Entre tanto espero que sigais disfrutando de la música que desde aquí ofrecemos.

Gracias por estar ahí (especialemente a los incondicionales Leira y Oulanem) y por los comentarios que seguro dejareis.

Hace calor

2010-07-08T12:14:00.004+02:00

Kiko Veneno es uno de esos artistas grandes pero humildes, con, tal vez menos reconocimiento del que mereciera. Participó de pleno en el germen de lo que se llamó “nuevo flamenco” y que a la larga no sabemos si nos ha dado más satisfacciones o dolores de cabeza (de la mano de los que se han ido subiendo al carro sin tener idea de qué se trataba el asunto… supongo que a muchos se nos vienen a la cabeza más de una docena de nombres).

La canción que de él hoy les traigo ’Hace calor’, y que no me negarán viene al pelo, salió como primer single del LP ‘Esta muy bien eso del cariño’ (1995), un puñado de buenos temas llenos de ritmos pegadizos y con unas letras en las que el artista, marca de la casa, hilvana lo cotidiano y lo trascendente. Kiko Veneno estaba viviendo un momento dulce dentro de su carrera, su anterior colección de canciones ‘Échate un cantecito’ (1992) obtuvo unos muy buenos resultados auspiciados quizá todo ello por el pequeño empujón que le dio su alianza con Santiago “Juan Perro” Auserón.

‘Hace calor’ destila sencillez, buen humor y alguna que otra píldora de verdades verdaderas… “para qué quieres la información si no la usas” nos dice entre verso y verso, como el que no quiere la cosa…

Protéjanse bien de la canícula y disfruten de esta canción y del video clip que para la ocasión realizaron.

Hace calor - Kiko Veneno

Where's my sugar?

2010-06-09T11:33:00.004+02:00

Vinila von Bismark & The Lucky Dados ¿de dónde sale esta gente?

Vinila es llamada la reina del “burlesque”, personaje icónico y fascinante, una auténtica pin-up, sensual y provocativa. The Lucky Dados son un trío de rockabilly con una trayectoria de más de 10 años.

Vinila von Bismark y The Lucky Dados se conocieron en un concierto y desde ese momento se puso en marcha la maquinaria que dio como resultado un disco: ‘The Secret Carnival’.

Nada sabía de ellos hasta hace unos meses cuando tuve oportunidad de escuchar uno de los temas que componen su disco en Radio 3, emisora que da cobertura musical a mis trayectos matutinos en automóvil.

Si bien es difícil que The Lucky Dados fuesen, hasta ahora, conocidos fuera de los ambientes del rockabilly más underground y purista, he podido comprobar que Vinila es ya, desde hace unos años, todo un personaje, con portada de Interviú incluida, lo cual demuestra una vez más mi absoluta desconexión con ciertos círculos de realidad.

‘Where’s my sugar?’ es el tema que os traigo hoy toda una experiencia audiovisual que os transportará a aquellos maravillosos años pero pasados por el tamiz de nuestro frenético presente.

Where's my sugar? - Vinila von Bismark & The Lucky Dados

Nadie ma va a añorar

2010-05-07T12:14:00.005+02:00

Tras el bache que supuso ‘El muchacho eléctrico’, desde la compañía de discos se le propone a Jaime Urrutia la grabación de un disco en directo con ciertas colaboraciones. Urrutia siempre ha sido reticente con este tipo de discos, pero en el momento creativo en el que se encontraba en 2007, la propuesta le viene que ni pintada para ganar tiempo de cara a la publicación de una nueva colección de canciones originales, máxime cuando en más de 20 años de carrera musical jamás hizo uso de esa baza. Jaime Urrutia es un artesano de canciones, al que le gusta mucho cuidarlas en todos sus aspectos, y para eso se requiere tiempo, tal vez lo que le faltó a su anterior trabajo.

Aunque uno intuye las cosas, no sabemos exactamente como se cocinó el asunto, pero el resultado fue el siguiente: La sala donde se realizará el concierto sería la Joy Eslava (parece ser que la decisión fue tomada por el propio Urrutia, aconsejado por el bajista Ambite, antiguo miembro de Los Pistones y actualmente de Los Corsarios, la banda que acompaña a Jaime en directo desde ‘Patente de Corso’); como productor se elije a Carlos Narea (asegurándose de esta forma la calidad del resultado); los músicos, básicamente Los Corsarios, como no podía ser de otra manera; el repertorio, una mezcla a partes iguales de sus éxitos con Gabinete Caligari y en solitario (pocas sorpresas pero agradables, como ‘Delirios de Grandeza’, un tema que apareció en el recopilatorio que en 1993 publicó la banda y del cual EMI tiró el master); y por último los invitados (hoy en día parece impensable un proyecto de estas características sin invitados), se nota a la legua que ahí metieron mano la discográfica y el manager, de otra manera no se explican ciertas apariciones.

Con estos ingredientes nos preparan un jugoso plato en forma de DVD que además del concierto recoge un documental al respecto y un CD (que en palabras del propio Urrutia sólo sirve para poder ponerlo en el coche, efectivamente, el plato fuerte es el DVD).

Cuando supe de la grabación del concierto con invitados me invadió la curiosidad de saber qué invitados aparecerían y cómo sonarían las canciones de Urrutia en sus voces. Algunas confirmaciones y algunos descartes desinflaron esa ilusión inicial. Una vez visto y oído el concierto, he de decir que salvo honrosas excepciones (casi todas las esperadas), en general me gustan más los temas cantados por Jaime Urrutia sin invitado. Sí que me gusta ‘Camino Soria’ con Amaral, ‘El calor del amor en un bar’ con Bunbury y ‘Cuatro Rosas’ con Pereza no desmerecen, ‘Caray’ con Loquillo es ya un clásico que no produce sorpresa y ‘¡Qué barbaridad!’ con la guitarra de Ariel también me parece sobresaliente. El resto no me acaba de convencer, quizá falló la química entre los artistas…

La otra sorpresa grata en cuanto a la elección del repertorio que incluye este ‘enJoy’ es ‘Nadie me va a añorar’ una especie de canto del cisne de los desparecidos Gabinete Caligari, aparecido en su último LP ‘Subid la Música’ (1998). Tuve la oportunidad de escuchar esta canción en directo en un concierto de presentación de ‘Patente de Corso’ y ya entonces me sobrecogió, así que tenerla registrada en DVD me pareció un regalo magnífico.

Al respecto de ‘Nadie me va a añorar’ tal vez cuente algún día la historia de los últimos años de Gabinete Caligari y los inicios de Jaime Urrutia en solitario a través de sus canciones… algo así como “el ascenso y caída de una banda en cinco canciones…” ya se verá…

Disfrutad de la soberbia interpretación de este ‘Nadie me va a añorar’, lamentablemente no he localizado ningún video con la suficiente calidad, por lo que sólo pondré el audio.

Nadie me va a añorar - Jaime Urrutia

Cariño

2010-04-30T12:10:00.002+02:00

Tres años después de ver la luz ‘Patente de corso’ Jaime Urrutia saca su segunda colección de canciones desde que inició su carrera en solitario. El disco que debía afianzar su carrera en solitario resultó decepcionante. Ya su portada no hacía presagiar nada bueno. ‘El muchacho eléctrico’ (2005) resultó ser un disco flojo, supongo que por falta de tiempo. El largo recorrido que tuvo ‘Patente de corso’ apenas dejó un año y medio o dos para la composición de los temas y la grabación del disco.

Las letras de las canciones no están al nivel al que Urrutia nos tiene acostumbrados y en algunos temas da la impresión de que intentar repetir algunas formulas melódicas y algunos ritmos que funcionaron bien en ‘Patente de corso’, pero que en ‘El muchacho eléctrico’ no llegan a convencer.

Como guinda al pastel, el disco se lanza con un single que consigue que, por su letra humorística, no se tome en serio un trabajo, que si bien no está al nivel de lo anteriormente publicado por el artista, si que contiene algunas muy buenas canciones (algo más de la mitad). Para cuando sale como segundo single ‘Nada por aquí’ (cantada a dúo con Bunbury) el disco ya estaba sentenciado a no despuntar.

No obstante, ‘El muchacho eléctrico’ merece una oportunidad, pues en el nos podemos encontrar con algunas gratas sorpresas como son ‘Pitusa’ o este ‘Cariño’ que hoy os traigo, que dedico, como dice el primer verso de la canción a “todas esas chicas que padecen un ataque de importancia…”

Cariño - Jaime Urrutia

Vestida para mi

2010-04-20T13:15:00.008+02:00

Cuando en el año 2001 se anunció que Jaime Urrutia preparaba nuevo material tras la disolución dos años antes de su banda, Gabinete Caligari, puedo suponer que pocos dentro del gremio de los críticos musicales apostaban por el disco. No creo que les mereciese mucha atención el olvidado cantante de una vieja banda de rock injustamente ninguneada por los medios en sus últimos años de existencia.

Cuando en 2002 publica al fin ‘Patente de corso’ esos mismo críticos tuvieron que guardar sus afiladas lenguas y reconocer en su justa medida el valor de una obra honesta y de calidad.

Para su debut musical en solitario, Urrutia supo cuidar los detalles y pisar sobre seguro. Músicos de reconocido talento para la grabación de los temas; Esteban Hirschfield como mano derecha; Jesús N. Gómez, productor de los primeros discos de Gabinete Caligari a los controles técnicos (este le restó empaque rockero al disco, virando hacia el pop, cosa que también se puede apreciar en las colecciones de la banda producidas por él); García-Alix para la sesión de fotos y las Ventas como escenario. Se cuidó también, de no incluir colaboraciones con compañeros de viaje de relevancia mediática. Urrutia quería probar sus fuerzas con este primer disco y cualquier colaboración de las que le ofrecieron lo habría desvirtuado.

Sin perder de vista el sonido fraguado por su anterior banda, este ‘Patente de corso’ suena diferente. Más luminoso y optimista. Se atreve con sonoridades que tal vez no tenían cabida en el discurso musical de Gabinete Caligari. El caso es que se trata de un muy buen disco con un puñado de buenas canciones.

La que he elegido hoy no llegó a salir como single, si lo hicieron otras muchas de este disco que tuvo un recorrido bastante largo. Se trata de ‘Vestida para mi’ de la que llegaron a decir que sonaba a canción de Serge Gainsbourg. Fetichismo, obsesión, sexo implícito, relaciones personales, complicidad…todo se mezcla en una letra muy cuidada arropada por un magnífico envoltorio pop.

Vestida para mi - Jaime Urrutia

A.H.E.A.

2010-03-16T12:47:00.003+01:00

Ayer se presentó en la FNAC de Sevilla ‘Siete’ el flamante nuevo EP de Marvin Green. Se trata de un disco muy equilibrado (a pesar de contar tan solo con cinco cortes). El “Extended Play” o EP es un formato que me gusta particularmente. Con la edad me he vuelto perezoso e impaciente, me cuesta mucho enfrentarme a álbumes de 12, 15, 20 canciones, álbumes dobles, álbumes triples… ¡uff!. Prefiero estas pequeñas dosis, y que me vayan llegando con asiduidad, que pararme a escuchar discos interminables. No reniego de los LPs, al fin y al cabo es el formato que reina en la industria desde hace muchos años y han demostrado ser buenos a nivel comercial hasta ahora (el tiempo dirá hacia donde nos llevan las procelosas aguas de la crisis en la industria musical), pero no muchas más de 9 ó 10 canciones por favor…

‘Siete’ es una pequeña dosis de energía, vital y colorista. Se trata de un disco lleno de melodías optimistas y mucho ritmo, con letras muy cuidadas e intimistas con algunos versos un tanto herméticos, en la línea de su anterior trabajo ‘No pasa nada’.

Soul, funk y rock&roll, eso es lo que promete Marvin Green y esos es lo que nos ofrecen, sentimiento soul, la chispa que otorga el funk y la energía del rock&roll, todo en su justa medida, para brindar un resultado que, al menos en mi opinión, no defrauda.

La más rockera de todas las pistas que contiene ‘Siete’ , aunque sin perder de vista el soul y el funk, es ‘Abierta hasta el amanecer’ (o ‘A.H.E.A.’ como aparece en los créditos del disco) una descarga de adrenalina genial en la versión plastificada y sobresaliente en directo (a quién va dedicada no lo se, pero no le arriendo la ganancia…).

Todo un acierto los arreglos de teclado a cargo de Juan C. Millán, que adornan las canciones de este ‘Siete’, y todo un logro por parte de Marvin Green que no los echemos en falta en su contundente directo.

Señoras y señores, sonido Marvin Green, “Soul & Funk & R&R!!”

A.H.E.A. - Marvin Green

King Cry Baby

2010-03-12T11:21:00.010+01:00

Hay una película, que aunque no tuvo gran repercusión en su estreno con el tiempo se ha convertido en un film de culto. Se trata del musical “Cry Baby” (1990). La vi infinidad de veces durante mi adolescencia. Mis maneras de rocker se fueron alimentando con esta y otras películas, algunas de dudosa calidad.. Tupé, patillas, camiseta blanca, jeans, botas de puntera, teddys, cinturón de hebilla ancha, un gesto una pose, una expresión y mucha música…supongo que todos hemos jóvenes alguna vez (salvo los que aun lo sean… espero).

“Cry Baby” es una especie de versión gamberra y desvergonzada de “Grease” con referencias y guiños a otras muchas películas sobre las bandas de adolescentes del EE.UU. de los años 50. Altamente recomendable para pasar un buen rato y con una banda sonora repleta de buen rockabilly, con temas compuesto ex profeso para la película y covers de clásicos de aquellos años 50.

Uno de los temas creado para esta banda sonora es ‘King Cry Baby’ de Doc Pommus y Dave Alvin e interpretada por James Intveld, que pone la voz de Wade Walter “El lágrima” en todos los temas que interpreta en la cinta y Rachel Sweet que presta su voz a Allison, la “square” (niña bien) que se enamora del “drape” (delincuente juvenil).

Banderas sureñas, gomina, teddys,… señoras y señores, esto es rockabilly

King Cry Baby - James Intveld

Verano fatal

2010-02-25T13:37:00.005+01:00

Hace un par de semanas tuve oportunidad de escuchar el trabajo conjunto que publicaron en 2007 los ínclitos Nacho Vegas y Christina Rosenvinge: ‘Verano fatal’. He de confesar que cuando supe de la publicación del LP compartido, no sentí demasiada curiosidad por oírlo, dado que, si bien se trata de dos artistas que a priori no me desagradan (los dos poseen ya una entrada en este blog) incluso podría afirmar que me gustan, no es menos cierto que ambos son capaces de componer magníficos temas de lo más aburrido. En su descargo tengo que admitir que del mismo modo son capaces de hacer canciones muy muy buenas y divertidas en todos los sentidos.

Este ‘Verano Fatal’ tiene un poco de todo eso (así por ejemplo ‘Humo’ es una magnífica canción, pero demasiado lenta y "arrastrada" para mi gusto). De quien más tiene es de la Rosenvinge (casi no hace falta mirar los créditos para darse cuente de ello), se nota su sello en casi todos los temas, especialmente en ‘No lloro por ti’ (Christina en estado puro) y también, si me apuras, en la que da título al álbum y a este post ‘Verano fatal’, a pesar de tratarse de un tema compuesto alalimón.

‘Verano fatal’ me cautivó desde la primera escucha, un trallazo rock compuesto de riffs perfectos, mucha energía y guitarras sucias. De alguna manera han conseguido que me suene a la vez ramplón y original, como si le hubiesen insuflado un soplo de frescura al rock de siempre.

Mención aparte merece el videoclip realizado para este tema, un cúmulo de despropósitos, con toda probabilidad más divertido para los protagonistas que para el espectador. No se lo pierdan.

Disfruten de este tema y no olviden hacer caso a lo que diga la mujer del tiempo…

Verano fatal - Nacho Vegas & Christina Rosenvinge

Ashes to ashes

2010-02-20T11:31:00.002+01:00

Hace hoy dos años que decidí poner en marcha un proyecto que llevaba un tiempo rondando por mi cabeza, se trataba de "Subid la Música" un lugar que sirviese no sólo para hablar de la música que nos gusta sino en el que se pudiesen abrir foros de debate y en el que las canciones se nutriesen con nuestras experiencias.

En estos dos años han pasado muchas cosas: momentos de gran actividad y participación y otros de absoluto silencio. Mi ilusión por el proyecto también ha sufrido altibajos. Solo la participación activa de colaboradores, seguidores y lectores en general han logrado que “Subid la Música” no naufrague definitivamente como ha ocurrido con otros proyectos.

Han sido 46 post en estos dos años… teniendo en cuenta que durante 11 meses el blog careció de la más absoluta actividad, el resultado si bien se muestra no excesivamente prolijo, tampoco esta del todo mal. De entre todos esos post hay algunos que me proporcionaron una gran satisfacción escribirlos, como por ejemplo el dedicado a ‘Brand New Cadillac’, o los especiales de Loquillo, otros me traen un recuerdo menos dulce porque esperaba más de ellos… (no obtuvieron el feedback que pensé que merecían). Ha habido alguna sorpresa que otra, como por ejemplo ‘Waltzing Matilda’ que aun hoy reporta no pocas visitas diarias, encabezando con diferencia las estadísticas…

Desde aquí quiero agradeceros a todos, lectores habituales, esporádicos o puntuales, seguidores y colaboradores, vuestra participación ya que es eso y no otra cosa lo que da sentido a un blog… alguien dijo que no estaba escrito si no era leído.

Para conmemorar este segundo aniversario de “Subid la Música” que mejor que volver a contactar con el Comandante Tom como ya hiciéramos aquel 20 de febrero de 2008 pero esta vez en el tema de 1980 ‘Ashes to ashes’ también, como no de David Bowie.

Espero que disfruten de esta composición del “Duque Blanco”, no tan gloriosa como el ‘Space Oddity’ que sirvió de punto de partida para este blog y con unos arreglos muy de su momento, pero que no obstante, no desmerece a su predecesora.

Ashes to ashes - David Bowie

Penélope (...y alrededores)

2010-02-08T13:36:00.018+01:00

Este es un post de carácter especial en el que, además de una canción, analizamos toda una temática. En el propio post sólo se puede escuchar la canción que le da título, pero el resto de ellas enlazan con reproductores desde los que podréis escucharlas, siempre bajo vuestra responsabilidad.

En la Odisea de Homero Penélope, aguarda durante largos años el retorno de Ulises, que demora su regreso en cientos de aventuras de toda índole. El tiempo no transcurre de igual forma para la una que para el otro. Ulises evoluciona y envejece con las experiencias, pero para Penélope el tiempo parece como si apenas transcurriera.

Este mismo esquema "Penélope-Ulises" lo podemos encontrar en un gran número de relatos, novelas, películas y por supuesto en canciones, tratado con mayor o menor fortuna y con variaciones de todo tipo. Como cabe esperar, desde estas líneas me fijaré únicamente en las canciones que, de alguna manera, adoptan este patrón, y por supuesto sólo en un ramillete de ellas.

La más fiel al texto clásico de todas las que he seleccionado, y la que en realidad da origen a este post es ‘Penélope’, canción que data de 1969, y que fue escrita por el genial Joan Manuel Serrat, con música de Alberto Algueró. ‘Penélope’ puede interpretarse como una relectura del relato de los reyes de Ítaca, si bien con un final más triste que el del clásico de Homero. Doblemente triste, me atrevería a decir. Porque si, por un lado, interpretamos que el viajero de la canción es un Ulises que corre mil aventuras sin, en realidad, poner empeño en el regreso, la desolación es grande por la pobre Penélope cuya juventud se ha marchitado esperando al amado; y que a la hora del reencuentro, es incapaz de reconocer al hombre experimentado que regresa, esperando como espera a un muchacho, el que la dejó aguardando en un banco de la estación. Pero si, por el contrario, la prolongada ausencia del amor de Penélope no es intencionada sino que responde a fuerza mayor (se que resulta difícil, pero por una vez pensemos bien de este pobre hombre), la tristeza es doble, por ella y por él que además es consciente de la perdida que este desenlace supone para ambos.

Penélope - Joan Manuel Serrat

Con posterioridad a ‘Penélope’ se han escrito más canciones que tratan este mismo tema o uno parecido, pero da la impresión de ser todas herederas de esta genial obra y en algunos casos distorsionar o degenerar el mensaje de la misma tomando como principal lo que en el original podría ser accesorio. Esta distorsión consiste a mi parecer en tratar al personaje de Penélope como si estuviese loca. Pero no nos engañemos, Penélope no está loca, el que regresa, efectivamente, ya no es el que se fue. El tiempo y las experiencias vividas lo han cambiado de manera definitiva.

Así tenemos, y continuamos por riguroso orden cronológico, ‘La llamaban loca’ de José Luís Perales, popularizada por el grupo vocal Mocedades allá por el año 1982. No se ajusta tanto al patrón Penélope-Ulises que sirve de excusa para este texto, pero me he decidido a incluirla por dos razones. La primera porque el eje conductor de la historia es la mujer que aguarda el regreso de su amor (aunque aquí en realidad no queda del todo claro que se trate de un abandono al uso). Y segundo, porque como adelanta el título, aquí se habla claramente de la locura a la que le lleva la espera.

Pues bien, el resto de canciones están compuestas por una mezcla en distintas proporciones de ‘Penélope’ y ‘La llamaban loca’. Desde ‘Lady lady ’ de 1984 que es descaradamente parecida al tema compuesto por Perales pero con una letra en ocasiones sonrojante. Hasta 'En el muelle de San Blas' (1997), que se aproxima más a ‘Penélope’ pero sin conseguir un final tan triste e introduciendo el factor locura. Pasando por ‘Naturaleza muerta’ (1991) de unos Mecano a los que se les estaban agotando las ideas (parecen querer repetir el patrón de ‘Hijo de la Luna’ de pretendida leyenda popular), y en la que sólo el personaje femenino responde al patrón que estamos planteando.

Con mayor o menor fortuna pasan todas estas composiciones por el tema de la espera del ser amado. Mención aparte merece la última de las canciones que se aproximan a la figura de Penélope. Se trata de ‘Cuando hay amor’ de Peña Suazo y la Banda Gorda (1999) en la que por fin Penélope se reencuentra con su amor y son felices y comen perdices. Enhorabuena a estos grandiosos artistas por dejarles vivir su amor como es debido.

Michelle

2010-01-20T09:44:00.001+01:00

Alguien dijo que The Beatles lo inventaron todo en el pop, incluso aquello de separarse en el mejor momento. A estas alturas de la película no voy a ser yo quien descubra nada nuevo sobre ellos, ni lo pretendo, y mucho menos de una canción tan radiada y oída por todos como ‘Michelle’. Pero quizá si pueda aportar un pequeño dato y mi opinión personal sobre la misma.

‘Michelle’ (tema incluido en el LP ‘Rubber Soul’ publicado a finales de 1965) es una balada, sin más pretensiones, pero con una letra, según mi parecer, deliciosamente sencilla. McCartney la comenzó a pergeñar tras escuchar ciertas canciones francesas en una fiesta. Pero no fue él quien le dio forma definitiva sino Lennon, aportando un contrapunto melancólico, influenciado por el blues, al optimismo o ligereza con que en principio acometió Paul este tema.

El uso de versos en francés, sugerencia de John, la acerca aun más si cabe a la canción francesa, el deje blues del que hablábamos antes que le confiere esa melancolía nada ajena a muchas de las canciones salidas de la factoría The Beatles, y la reiteración en los versos iniciales de todas las estrofas que transmite perfectamente el desespero por hacerse entender que tiene el protagonista de la canción para con esa Michelle, que es causante de sus desvelos, todo confiere sentido a esta canción, nada sobra.

Para los que aseguran categóricamente que la mejor forma de saber quien compuso una u otra canción dentro del tándem Lennon-McCartney es fijarse en quien la interpreta, nos encontramos con que ‘Michelle’ es un perfecto contraejemplo, porque si bien el intérprete es McCartney, en este tema, su aporte principal se encuentra en la letra, mientras que el peso compositivo de la música recayó en su mayor parte sobre John Lennon.

Abierto queda el eterno y aburrido debate de determinar cual de ellos tenía más talento. Desde mi punto de vista es una discusión estéril, puesto que lo que mejor funcionaba era la sociedad que esos talentos formaron. Por supuesto el asesinato de John Lennon a las puertas del Edificio Dakota lo convirtió automáticamente en mito y por ello, como ocurre con los grandes toreros que mueren en la plaza, en caballo ganador.

Michelle - The Beatles

Estrellas, Sol y Luna

2009-12-22T12:30:00.006+01:00

Hubo un tiempo en el que la música la hacían niños. Niños libres, divertidos, traviesos e irreverentes que ignoraban las más básicas normas de civismo y ¡ay! también el peligro que conllevaban alguno de sus juegos. Sus maldades no eran más que eso, juegos, y sus juegos algunas veces parecían perversos. Pero ahora, visto desde la distancia, todo nos parece tremendamente inocente.

Hubo un tiempo (y un lugar) en el que en la música todo era inconsciente y divertido, como los niños.

Pero los niños crecen y muchos se convirtieron en adolescentes insoportables, otros en viejos grises y aburridos… la vida pasa.

Hubo un tiempo en el que la música estaba hecha por niños, y, como niños que eran gustaban de los villancicos. Cada uno eligió su favorito para cantarlo, y eso hicieron. Todos esos villancicos fueron registrados en una grabación, convenientemente plastificada y distribuida bajo el nombre de ‘Navidades radiactivas’ (1982).

A ese disco pertenece este ‘Estrella, sol y luna’ interpretado, en el más amplio sentido de la palabra, por uno de esos niños: Poch, el único tal vez que no dejo jamás de serlo, un Peter Pan que en lugar de crecer se fue haciendo cada vez más niño hasta que un 18 de septiembre de 1998 volvió al limbo donde aguardan los no nacidos.

Estrellas, Sol y Luna - Derribos Arias

Muertos o algo mejor

2009-12-17T09:45:00.022+01:00

Podríamos decir que la primera incursión dentro de la música de Christina Rosenvinge es en 'Ella y los Neumáticos' grupo en el que militaron (entre otros): Edi Clavo (posteriormente baterista de Gabinete Caligari) y Lars Mertanen (Décima Víctima). Christina vino a sustiruir a la cantante original del grupo, una compañera de facultad de Edi que abandonó poco después de grabar las primeras maquetas. De ellos se conserva alguna grabación anecdótica de baja calidad.

Después de esta pequeña aventura, se unió a Alex de la Nuez primero bajo el nombre de Magia Blanca, y posteriormente, tras la salida de Toti Árboles, como Alex y Christina, nombre con el que lograron un notorio éxito comercial con '¡Chas!, y aparezco a tu lado'. Se suponía que el proyecto iba orientado a realizar pop francés, pero la cosa fue tomando unos derroteros que nada tenían que ver con la idea que Christina Rosenvinge tenía en mente, por lo que finalmente el grupo se disolvió.

Tras ésto, Rosenvinge inicia una aventura con un grupo de amigos bajo el nombre de Christina y los Subterráneos. Estamos hablando ya de 1991, hasta ese momento apenas se había escuchado rock realizado por mujeres en este pais, por lo que su propuesta supone una novedad, novedad que alcanza un notable exito de crítica y público. Hasta entonces la intervención de las mujeres dentro del rock&roll patrio se limitaba en la mayoría de los ocasiones a la interpretación vocal, pero en el caso de Christina, ya desde su primer LP con los Subterraneos 'Que me parta un rayo' la totalidad de las canciones vienen firmadas por ella.

Bajo esta denominación de Christina y los Subterraneos saca otro álbum más 'Mi pequeño animal' (1994), para pasar a partir de entonces a firmar los trabajos con su propio nombre. 'Muertos o algo mejor' pertenece al segundo de estos trabajos, un disco que fue publicado en 1998 bajo el nombre de 'Flores raras'. Es en esta etapa de su carrera musical cuando se muestra la verdadera Christina Rosenvinge, pues si bien con los Subterráneos las canciones estaban compuestas por ella, se encontraba oculta bajo una pretendida coraza de rockera, de chica dura que nada tiene que ver con la vulnerabilidad que muestra en posteriores trabajos.

Tuve la oportunidad por aquel entonces (1997) de asistir a un concierto acústico de Christina Rosenvinge en el teatro de la Escuela de Ingenieros Técnicos y quedé maravillado. Apenas conocía nada de su trayectoria tras los discos con los Subterráneos, lo cual hizo aun más intensa la experiencia, puesto que cada canción que interpretaba era completemante nueva para mi. Esto, por otra parte se supone que es lo habitual en los conciertos de presentación (de ahí el nombre que reciben) pero yo nunca había estado en ninguno en el que no me supiese perfectamente todas y cada una de las canciones...

Me gusta mucho la forma de escribir de Christina Rosenvinge, como utiliza los clichés de las películas clásicas del cine americano con una facilidad asomborsa y sin rubor... "y este idiota se piensa que puede llamarme muñeca, soy capaz de jugar al ping-pong en su cabeza hueca..."

Muertos o algo mejor - Christina Rosenvinge

Blue Moon

2009-12-01T12:09:00.008+01:00

Antes compraba muchos discos, primero en vinilo (unos cuantos), después en CD (muchos más). Compraba lo último de los que me gustaban (unos pocos) y compraba recopilaciones y serie media (discos baratos) como forma de investigación musical. Una de esas recopilaciones era un CD de rock&roll americano de los años 60 editado por un sello llamado Dog&Roll y que venía en una lata (parecida a las que se utilizan para lo rollos de celuloide). Compré dos de esos discos, traían canciones en común, pero cumplieron perfectamente su propósito: darme a conocer un poco más a los grandes clásicos del rock&roll, del rythm&blues y del doo-wop de finales de los 50 y primeros 60.

Una de esas canciones, repetidas en ambos recopilatorios, era la versión que The Marcels hicieran del tema de Richard Rodgers y Lorenz Hart ‘Blue Moon’ (1934). Esta canción ha conocido multitud de versiones a cargo de artistas de toda índole, sin embargo el acercamiento que realizaron esta banda eminentemente vocal desde el doo-wop me resultó de lo más interesante, máxime cuando la mayoría de versiones que había y he oído de ella son baladas o a lo sumo medios tiempos (al fin y al cabo se trata ya de un estándar).

No se mucho de la trayectoria artística de The Marcels, salvo que este 'Blue Moon' fue tal vez su mayor éxito y que su más reciente reunión fue en 1999 (40 años después de que se formase la agrupación) en un especial televisivo dedicado al doo-wop de los 50.

Todo un clásico de la música vocal americana de los años 50/60, un prodigio de voces que se entremezclan y complementan, espero que disfruten con este tema: ‘Blue Moon’ a cargo de The Marcels.

Blue Moon - The Marcels

Veinticinco faroles

2009-11-26T12:54:00.004+01:00

Desde la más absoluta ignorancia, con todo el atrevimiento que ésta me otorga y con el mayor de los respetos ante esta forma de entender la música, os vengo a hablar nada más y nada menos que de Juan Peña “El Lebrijano”. Uno de los mejores cantaores de su generación (según los entendidos). Un artista inquieto, en constante búsqueda e investigación de nuevas sonoridades, respetando la ortodoxia flamenca. Me atrae de él, aparte de su voz e interpretación, esta forma tan arriesgada de afrontar la música. Demasiado ortodoxo para los vanguardistas, demasiado vanguardista para los ortodoxos. Un artista controvertido, como casi todos los que me gustan.

La canción que propongo salió como single de su LP de 2001 ‘Sueños en el aire’, un disco que sigue en la línea de investigación que caracteriza a “El Lebrijano” y en el que como nota de exotismo (aunque cuando hablamos de Juan Peña, lo exótico es lo habitual) colabora con gitanos búlgaros en un interesante hermanamiento musical en el que juntos interpretan el himno internacional de este pueblo (‘Gelem Gelem’).

No puedo extenderme mucho porque entre mis referencias musicales no se encuentra el flamenco y mis conocimientos al respecto son breves. Eso explica, quizá, que haya elegido este tema de entre todos los que aparecen en el disco o ahondando más aun, de entre la extensa discografía del artista, pero es que fue a través de este ‘Veinticinco faroles’, radiada hasta la saciedad en las emisoras más comerciales, que me interesé por este artista. Una canción que contagia con su ritmo y enamora con la prodigiosa voz de “El Lebrijano”. Como dijo el Premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez: “cuando Lebrijano canta se moja el agua”.

Veinticinco faroles - El Lebrijano

Rock&Roll Star

2009-11-17T18:33:00.000+01:00

Hoy sale a la venta la caja especial con motivo del 30 aniversario de Loquillo en el mundo de la música, y con dicho evento tocan a su fin los especiales que desde Subid la Música le hemos dedicado a esta figura fundamental dentro del rock&roll. Mucho se ha quedado en el tintero: la etapa con Gabriel Sopeña y los discos de poemas, el homenaje que brindó a sus compañeros de generación con el doble álbum en directo ‘Compañeros de viaje”, la trilogía ‘Cuero español’, ‘Feo, fuerte y formal’, ‘Arte y ensallo’, el final de los Trogloditas con ‘Hermanos de Sangre’ y el primer disco de Loquillo después de la disolución de la banda: ‘Balmoral’.

‘Rock&Roll Star’ es el nombre que ha recibido este “box set” y con esta canción despediremos los especiales de Loquillo.

‘Rock&Roll Star’ fue compuesta por Sabino Méndez para el primer disco de Loquillo (aun sin los Trogloditas) ‘Los tiempos están cambiando’. Se trata de una de las pocas canciones originales del LP, compuesto en su mayor parte de versiones de temas anglosajones (Loquillo firmó contrato con la discográfica para grabar el disco sin contar con banda ni repertorio, por lo que hicieron lo que pudieron). Sorprende que un Sabino Méndez tan sumamente joven consiguiese facturar una canción de semejante calidad, pero es que estamos hablando de uno de los más grandes compositores rock.

“…En la lluvia podré mi corazón de rock&roll / y cuando me llene el cuerpo de anfetas y de alcohol / querré a alguien a mi lado que me recoja al caer / así, nena, tendré suerte de llegarte a conocer…”

Rock&Roll Star - Loquillo

Hombres

2009-11-16T10:12:00.008+01:00

Loquillo y los Trogloditas se enfrenta a la nueva década con un reto muy importante a superar, la ausencia del que hasta ahora había sido el principal creador de canciones de la banda. No debió ser fácil, pero Loquillo y los Trogloditas ya había dejado de ser un grupo de amigos con ganas de hacer ruido, para convertirse en una banda de rock&roll en toda regla, una factoría de música, una maquinaria que debía seguir funcionando aunque uno de sus motores se hubiese detenido. Así lo debió entender Loquillo y tomando las riendas, rodeado de buenos músicos y con lo aprendido en el camino se las apañó para parir uno de los mejores discos del grupo. En este ‘Hombres’ (1991) el tándem compositivo Fecé/Sanz se hace patente, copando la mayor parte de las canciones del álbum. No obstante esta primacía comienza a descender en las siguientes entregas de la banda, desapareciendo definitivamente en ‘Cuero español’ (2000) primer disco de lo que se podría entender como una trilogía (junto con ‘Feo, fuerte y formal’ (2001) y ‘Arte y ensayo’ (2004) en lo que supone una nueva etapa de la banda).

Entre los temas incluidos en ‘Hombres’ aparece una canción de Gabriel Sopeña, ‘Brillar y brillar’ que fue enviada por éste en forma de maqueta. A la postre Sopeña se convertirá en compositor de cabecera de Loquillo durante algunos años (llegan a sacar dos álbumes de poemas musicados por Gabriel Sopeña e interpretados por Loquillo sin los Trogloditas).

A Loquillo entre otros talentos, hay que reconocerle el de saber rodearse de grandes talentos, así a lo largo de estos 30 años ha contando con Sabino Méndez, Sergio Fecé, Gabriel Sopeña y en esta última etapa con Igor Paskual y Jaime Stynus, amen de las colaboraciones de amigos de otras formaciones como Carlos Segarra, Aurelio Morata o Jaime Urrutia, que han prestado composiciones al artista. Todo esto sin hablar de los grandes músicos que han pasado por las filas de los Trogloditas.

‘Hombres’ es un disco de rock maduro, cargado de guitarras afiladas. La canción que le da título y que apareció como primer single es una buena muestra de ello. Una canción en la que se autodefinen, una declaración de principios en la que enarbolan el orgullo ya no de ser hombres, sino de ser rockeros. Una canción interpretada (porque no puede entenderse de otra forma) con chulería, casi con desprecio hacia aquellos que los critican.

“A nuestros enemigos, porque ellos nos dan la fuerza para seguir adelante”
Jose Mª Sanz "Loquillo"

Hombres - Loquillo y los Trogloditas

Cadillac solitario

2009-11-12T13:54:00.003+01:00

Llega el año 1989, los ahora míticos 80 tocan a su fin y Loquillo y los Trogloditas tal como se conocían hasta la fecha también. Los problemas de adicción de Sabino Méndez, alma compositiva de la banda, hacen imposible contar con él, en su último disco de estudio habían tirado del cajón y utilizado canciones que se habían quedado fuera de los discos anteriores. Sabino estaba asimismo hastiado de la banda y de cómo aceptaban canciones que previamente habían rechazado por idénticos motivos. Este malestar interno contrastaba con su buen momento de popularidad, popularidad que se vió culminada con edición de un doble LP grabado en directo el 15 de diciembre de 1988 en la mítica sala Zeleste y que recibió el título de ‘¡A por ellos! … que son pocos y cobardes’.

Para este disco Sabino Méndez ya no pertenece a la banda, y su presencia sobre el escenario es tan sólo una colaboración. Su guitarra fue sustituida por la de Xavi Tacker y la influencia del pianista Sergio Fecé se viene reflejando desde ‘Mis problemas con las mujeres’ resultando a la postre el sustituto a nivel creativo de Méndez durante lo que supondrá una nueva etapa del grupo.

Este directo constituyó pues un antes y un después la banda. Vendieron unas 300.000 copias, llevaron a cabo una gira de más de 100 conciertos en un año, Sabino Méndez estaba fuera de la banda y tanto Loquillo como sus Trogloditas se encontraban subidos en una nube. Es en ese momento cuando el líder de la banda, Loquillo, percatándose de la espiral en la que se encontraban sumergidos, decide parar en seco y respirar hondo para poder replantearse el futuro de la banda.

Se trata de un magnífico resumen de la carrera discográfica del grupo hasta el momento, aunque deja fuera algunas de las mejores canciones como ‘María’, ‘No surf’, ‘Pégate a mi’ que serían rescatadas con posterioridad en el también doble álbum en directo ‘Compañeros de viaje’(1997). Pero para mí, de entre todas, destaca la versión que realizaron de ‘Cadillac solitario’, tal vez la mejor balada rock en castellano, en la mejor versión que jamás se ha hecho de ella. Una interpretación sublime de un Loquillo que suplía sus deficiencias vocales con talento, rabia y pasión (en recientes versiones en directo se nota más perfección vocal, lo cual redunda en un resultado menos visceral y a la postre mas ‘light’).

Fue la primera canción que aprendí a tocar y probablemente la única que realmente se tocar; eso la coloca en una muy buena posición dentro del ranking de mis preferidas, además de ser de las pocas canciones de las que casi me gusta más su versión en directo a la de estudio.

Cadillac solitario - Loquillo y los Trogloditas

La mataré

2009-11-06T13:26:00.010+01:00

El cuarto disco de estudio de Loquillo y los Trogloditas vino a llamarse 'Mis problemas con las mujeres' se trata de un disco muy ecléctico, el segundo en la multinacional Hispavox. La carga compositiva se reparte más que en los anteriores LPs, en los que prácticamente la totalidad de temas estaban compuestos por Sabino Méndez. Sabino había concebido para la ocasión un disco conceptual al que pretendía titular ‘¡Viva Verdi!’ y que giraba en torno al instinto y la pasión, del mismo modo que ‘El ritmo del garaje’ versaba sobre la vida de barrio y ‘La mafia del baile’ sobre la “apisonadora social que nos rodea” (Sabino Méndez [sic]). En la banda había un creciente malestar en torno a la dictadura compositiva de Sabino y Loquillo la resolvió repartiendo la selección de canciones, lo que dio al traste con la idea de disco de Méndez. Tenemos que entender que las ganancias por derechos de autor crecían del mismo modo que la popularidad de la banda y todos querían un pedazo del pastel.

Sabino Méndez no pasaba por su mejor momento ni dentro de la banda, ni de cara a los responsables de la discográfica. De hecho, como cantaran años después en el tema ‘La policía’ del LP ‘Morir en primavera’ a la discográfica les debía irritar la pinta de los miembros de la banda porque decidieron dejarlos fuera de la portada de ‘Mis problemas con las mujeres’. Perjudicaban, según decían, la imagen del grupo de cara a la venta de discos.

Portada de 'Mis problemas con las mujeres' (1987)

Cuando se lanzó el álbum recibió una moderada acogida y no despuntando hasta que la discográfica decidió sacar como single ‘La mataré’, una mezcla de rock&roll con la rumba más callejera y misógina, con lo que lograron finalmente el disco de oro. Este disco supuso el principio del éxito masivo y de las giras interminables de Loquillo y los Trogloditas pero también el fin de la primera etapa de la banda que se cerrará con el disco de estudio ‘Morir en primavera’ y definitivamente con el directo ‘A por ellos…’

Es imposible que ‘La mataré’ sea la primera canción de Loquillo que escuché en mi vida, pero si es la primera de la que tengo plena conciencia de haber escuchado, y desde luego, la primera que tuve en un vinilo en casa para escucharla a placer. Me encantaba y me encanta su inmediatez, su pasión, la rabia que destila… en esa etapa fronteriza de la vida que es la adolescencia, me sentía plenamente identificado con una letra como la de esta canción, tan extremista, carente de medias tintas. No habla de un maltratador, habla de un chaval que se enfrenta tal vez al primer desengaño, y lo vive como se vive todo cuando uno apenas ha dejado de ser un niño, con exceso.

No es una canción “políticamente correcta”, lo se, en los tiempos que corren tal vez nadie se atrevería a radiarla, pero es que lo “políticamente correcto” le esta quitando la gracia a todo lo que tenía alguna gracia. Loquillo la retiró de su repertorio debido a las quejas de asociaciones feministas. Fue un momento de su dilatada carrera en el que daba la impresión de que por un motivo o por otro prácticamente todas las semanas anunciaba la retirada de algún emblemático tema de su también dilatado repertorio. Afortunadamente ha cambiado de opinión.

‘La mataré’ surge en la furgoneta en la que se desplazaban para hacer bolos, entre escucha y escucha de sendas cintas de Los Chichos, una letra preciosa, juvenil y excesiva, como todo en el rock, callejera y canalla, como todo en la rumba ochentera de la que bebe. Ritmo frenético e impresionante punteo de guitarra.

Yo también quise matarla a punta de navaja besándola una vez más…

La mataré - Loquillo y los Trogloditas

El ritmo del garaje

2009-10-19T11:27:00.007+02:00

Cuando Loquillo regresó de cumplir el servicio militar, se encontró con que su fiel amigo Sabino no sólo le había estado esperando sino que incluso había reclutado miembros para una banda. También se encontró con una Barcelona inmovilista y aburrida, así que decidió probar suerte en Madrid con su nuevo grupo. Allí fueron acogidos por algunos miembros de lo que terminó llamándose “Movida”, “… los únicos que nos entendieron fueron Eduardo Benavente, Alaska, Iñaki de Glutamato Ye-yé y los Gabinete”. Ese fue el punto de partida de Loquillo y los Trogloditas, demasiado punkies para ser rockers y demasiado rockers para ser punkies. El paso del tiempo, en cambio, parece haberles dado la razón, tan equivocados no estarían.

Corría el año 1983 y la nueva banda: Loquillo y los Trogloditas, grabó el que fue su primer álbum como tales, con DRO y arropados por gente como: Olvido “Alaska” Gara, Ignacio “Poch” Gasca, Ana Curra, Ulises Montero y Julián Hernández. El disco se llamó “El ritmo del garaje” y contiene alguna de las más recordadas canciones de la banda, todas compuestas por Sabino Méndez. Entre ellas la incombustible ‘Cadillac Solitario’. De esta colección, mis preferidas tal vez son: ‘Pégate a mi’, ‘María’ y ‘No surf’; pero para estos post especiales dedicados a Loquillo voy a decantarme por los temas más reconocibles, así pues, he seleccionado la que da título al álbum, un interesantísimo dúo en el que Alaska le da la réplica a Loquillo. Un tema muy “teenager” como la mayoría de los que facturaba en aquel entonces Sabino Médez.

Atentos al saxo de Ulises Montero miembro de hecho de Gabinete Caligari (aunque nunca de derecho, puesto que la banda nació como trío y así permaneció hasta su disolución).

El ritmo del garaje - Loquillo y los Trogloditas

El hombre de negro

2009-10-13T14:13:00.010+02:00

Con motivo de la conmemoración de sus 30 años como músico, Jose Mª Sanz “Loquillo” ha vuelto a grabar una de sus canciones más emblemáticas ‘El hombre de negro’, versión del ‘Man in black’ de Johnny Cash, realizada por la mano derecha compositiva de Loquillo allá por los 90: Gabriel Sopeña. Sopeña es muy dado al folk norteamericano y eso se nota, no sólo en sus composiciones sino en la elección de las versiones y el tratamiento que les da. Este ‘El hombre de negro’ no es una excepción, musicalmente no difiere mucho de la que ideó Cash (un poco más acelerada y eléctrica, tal vez), y aunque en la adaptación de la letra al castellano no puede evitar dejarse matices fuera, se trata de una traducción bastante (según algunos en exceso) fiel a la original.

En esta versión de 2009 los arreglos son más rockeros y Loquillo se hace acompañar por tres grandes músicos y amigos: Jaime Urrutia, Andrés Calamaro y Enrique Bunbury. Se trata de la segunda ocasión en la que estos cuatro grandes del rock en castellano se reúnen en un estudio de grabación para registrar juntos un tema. En la primera ocasión fueron convocados por Urrutia para realizar una versión del ‘¿Dónde estás?’ de su primer álbum en solitario ‘Patente de corso’ (2002), lo cual propició no pocos comentarios acerca de una gira posible conjunta (se llegó a comparar el fruto de esta reunión con los míticos Travelling Wilburys de Harrison, Orbison, Lynne, Petty y Dylan) que al final no fue. Esta nueva reunión dispara nuevamente los rumores y aunque no faltan ganas por parte de los rockeros, resulta difícil cuadrar agendas.

El video clip realizado para la ocasión por Daniel Etura es extraordinario, todo un cortometraje que merece la pena ver. Rodado en los alrededores de Madrid, en plena llanura manchega, bajo un sol justiciero, narra el intento de fuga de tres presos tras un accidente del avión en el que eran trasladados. Por supuesto gozaran más de él los adeptos a la música de sus protagonistas.

Este ‘El hombre de negro’ en su versión 2009 se nos presenta como el adelanto del “box set” que el próximo 17 de noviembre llegará a las vitrinas de las secciones de música de los grandes comercios y de las tiendas especializadas que aun sobrevivan y que servirá de homenaje a estos 30 años de Loquillo. También con este motivo en Subid la Música dedicaremos los próximos post a algunas de las canciones más representativas (o no) de Loquillo.

El hombre de negro - Loquillo, Urrutia, Calamaro y Bunbury

Eche 20 centavos en la ranura

2009-10-02T11:03:00.005+02:00

“A pesar de la sala sucia y oscura, de gentes y de lámparas luminosas, si quiere ver la vida color de rosa eche veinte centavos en la ranura…” así comienza el poema del argentino Raúl González Tuñón que sirvió al Cuarteto Cedrón, para recrear este tango de letra deliciosa cercana a los más oscuros locales portuarios de Mar del Plata en cuanto a contenido pero alejado de ellos en cuanto a forma. Se trata de una manera de entender el tango más moderna que la que en aquellos 60 en los que vio la luz esta canción (dentro del disco ‘Cuarteto Cedrón canta a Raúl González Tuñón’) se venía haciendo, pero a la vez más clásica. La letra es fresca y juguetona como en tiempos fueron los tangos, frescura que en aquel entonces se había perdido.

Juan “Tata” Cedrón es el lider de este combo tanguero que inició su andadura en el Buenos Aires de mediados de los 60. El conjunto desarrolló la mayor parte de su carrera (algó así como 30 años) en Francia y aún continúan en activo más de 40 años después. Cedrón compuso la música y adaptó la letra para dar forma a este tango que el propio Raúl González Tuñón, como digo, autor del poema que sirve de base para la letra, celebró.

Eche 20 centavos en la ranura - Cuarteto Cedrón
Sin embargo no me resisto a poner también la versión que me dio a conocer este tema, lo cual por otra parte, sienta un interesante precedente en este blog. No es ningún secreto mi gusto por el tango, sin embargo no fue sino hasta que escuché la recreación que Ariel Rot hizo de este clásico de Cedrón que no conocí sus composiciones, fundamentales para entender este género musical a finales del s.XX y por extensión en el s.XXI.

Eche 20 centavos en la ranura - Ariel Rot

Good vibrations

2009-09-09T11:59:00.006+02:00

Existen canciones que están ahí desde siempre, que las has podido oír en múltiples ocasiones, las conoces y reconoces fácilmente, lo que viene a llamarse clásicos. Quizá es por eso que no se les presta demasiada atención, tantas veces las hemos oído y las tenemos tan a mano… Pero llega un día en que además de oírlas, te paras a escucharlas (no voy a venir yo ahora a dar lecciones de semántica, pero no es lo mismo oír que escuchar) y descubres matices que hasta entonces te habían pasado desapercibidos, descubres porque esa canción se ha abierto un hueco en la memoria colectiva. Esto fue lo que me paso a mi con la tema que hoy nos ocupa.

A finales de los 60 el éxito alcanzado por el grupo estadounidense The Beach Boys era comparable al de The Beatles. Pero por encima del grupo se encontraba un genio creador: B rian Wilson principal compositor, productor y arreglista. A él corresponden grandes clásicos de la banda como son: ‘Surfin’ USA’ o ‘California girl’. Si bien The Beach Boys como grupo se distinguían por las armonías vocales, Wilson quiso ir más allá influenciado por la riqueza compositiva de Lennon y McCartney. El resultado fue “Pet Sounds” uno de los mejores álbumes de la formación.

En 1966 la desequilibrada mente de este genio parió una de las mejores canciones de todos los tiempos: ‘Good vibrations’. Esta canción iba a formar parte de “Pet Sounds” pero Brian Wilson decidió dejarla fuera para dedicarle el tiempo necesario. Y vaya si lo hizo: 6 meses y 12 estudios de grabación diferentes empleó para esta canción, pero sin lugar a duda, todo ese esfuerzo mereció la pena.

Aprovechemos el poco verano que nos resta y recordemos mientras escuchamos esta magnífica ‘Good vibrations’ lo vivido en esos calurosos días estivales tan sólo apaciguados por la brisa de alguna remota playa…

Good vibration - The Beach Boys

Julia Reis

2009-08-31T11:38:00.005+02:00

Loquillo y los Trogloditas habían puesto fin a la década de los 80 con el emblemático directo “A por ellos…” (1989) y afrontaban la nueva década con la ausencia en sus filas de Sabino Méndez, compositor de la mayoría de los éxitos de la grupo y uno de los principales autores de canciones de la década que acababan de abandonar. Parecían tenerlo todo en su contra, y sin embargo grabaron uno de sus mejores disco: ‘Hombres’ (1991) un éxito rotundo que consolidó a Loquillo y los Trogloditas en unos años 90 que, a la postre, resultarían bastante aciagos para la mayoría de las bandas que crecieron en los 80.

Con el disco casi terminado Loquillo recibe una cinta con una canción de un chico de Zaragoza. El “chico” en cuestión era Gabriel Sopeña, músico y poeta que tenía en su haber composiciones como ‘Apuesta por el Rock&Roll’ del grupo aragonés Más Birras, la canción: ‘Brillar y brillar’ (Loco no dudó un segundo en incluirla en su nuevo álbum). Ese fue el comienzo de una colaboración musical entre los dos artistas que dio como fruto el primer disco en solitario de Loquillo ‘La vida por delante’ doce poemas musicados por Gabriel Sopeña. Loquillo se quitaba la cazadora de cuero, e incluso el frac de “crooner” con el que ya había coqueteado y se acerca a la canción de autor en un momento en el que la banda necesitaba, según el propio José Mª Sanz, un tiempo para centrarse.

En este disco, que supuso una renovación del género, encontramos poemas de Octavio Paz, Pablo Neruda, Antonio Gamoneda y del propio Sopeña. Para mi se trata de una colección de canciones fundamental y puedo asegurar que irán desfilando una por una por Subid la Música.

‘Julia Reis’ es un trallazo de rock energético sobre un poema del jerezano José Mateos, que no deja un momento de respiro, pura vitalidad. Nostalgia, amores platónicos, veranos pasados y fiestas en pisos de estudiante. ¿Quién no ha conocido alguna vez a Julia Reis?

Julia Reis - Loquillo

Fever

2009-08-17T10:42:00.007+02:00

Ya hace tiempo que dejaste atrás el umbral de la noche para meterte de lleno en eso que llamamos madrugada, territorio fronterizo en el que ya no es hoy pero tampoco mañana, en el que todo se vuelve una ensoñación o una pesadilla. El calor te impide conciliar el sueño, pero tampoco tienes ganas de dormir. Miras la luz que se filtra desde el exterior y se estampa contra el techo de tu habitación, buscando algo que no logras encontrar. Tu cabeza no deja de dar vueltas, todo se mezcla en una absurda receta en la que tienen cabida recuerdos, anhelos, esperanzas y mentiras. Hoy ponen la película de tu vida en las paredes de tu cuarto y tú la miras sin lograr verla. Por entre los visillos acompañada de una leve brisa que apenas te permite respirar brevemente, se cuela la banda sonora de la ciudad interpretada a base de sirenas, frenazos, voces, el arrullo de los neumáticos sobre el asfalto y las estridencias emitidas por el aparato de TV de algún vecino que como tú no puede dormir, pero al que, en cambio, no le gusta tanto el film que echan en su cuarto. Y sobre todos esos sonidos va tomando forma uno que termina imponiéndose al resto, al principio no es más que un eco formado por el latido de la noche, el zumbido del silencio, el propio calor que te envuelve y una voz que susurra cosas al oido, pero poco a poco va ganando intensidad silenciando todo lo demás. Es el ‘Fever’ de Peggy Lee que te envuelve y te traslada, que te reconcilia con la madrugada y pone fin a la emisión de hoy para llevarte a ese lugar donde no hay frío ni calor, donde no existe el verbo aburrir…

Fever - Peggy Lee

La canción del verano 1981: Branquias bajo el agua

2009-07-24T13:10:00.015+02:00

En 1981 después del susto con el que se empezó el año la cosa en España no estaba para experimentos y la que se alzó con el dudoso título de “canción del verano” fue una adaptación de un tema suizo de los años 50 que había visto ya cientos de versiones en diferentes idiomas. En nuestro país vino a llamarse 'El baile de los pajaritos' y su popularidad adquirió una dimensión inexplicable.

Pero existe un mundo dentro de este mundo en el que la canción del verano fue la psicotrópica 'Branquias bajo el agua' de los demenciales Derribos Arias.

El germen de Derribos Arias lo encontramos en La Banda Sin Futuro grupo vasco formado a finales de los 70 por Ignacio “Poch” Gasca, Alejo Apberdi y Paul. Poch compaginaba su militancia en La Banda Sin Futuro con Ejecutivos Agresivos. Fueron precisamente sus contactos en Madrid los que propiciaron que el grupo actuase alguna que otra vez en la capital.

Ya en 1981 Poch y Alejo se trasladan a Madrid para dar forma a Derribos Arias dejando aparcado el proyecto de La Banda Sin Futuro.

En palabras del propio Alejo Alberdi, si quisiéramos definir a Derribos Arias con una sola palabra, esta sería caos. Y en el mismo centro de ese caos, motor inspirador del mismo, se encontraba Poch, un personaje extravagante y excesivo, con un sentido del humor surrealista y plagado de tics. Resulta imposible dibujar las fronteras entre la persona y el personaje, entre la enfermedad y la locura. Sus composiciones eran asombrosas y las letras reflejaban su surrealista e intrincada forma de pensar y se hallaban plagadas de esos tics que colaba en sus conversaciones.

Portada de 'En la guía en el listín' primer LP de Derribos Arias

Derribos Arias tuvo un magnífico estreno. Triunfan en el V Concurso de Rock Villa de Madrid, se presentan como adalid de las autodenominadas Hornadas Irritantes, son asiduos en la radio y aparecen en el programa de TV “Pista Libre”. Los Derribos Arias comienzan a aberrar a nivel nacional con sus canciones.

Después de los primeros singles sacan un LP en el que se confirma el talento de Poch. Las actuaciones se suceden, pero Derribos Arias tienen una forma particular de concebir la música: a ellos no les gusta tocar siempre igual las canciones. Como consecuencia directa de esto tenemos que sus conciertos podían ser apoteósicos o un completo desastre que aburría hasta a las piedras. Todo dependía del día que tuvieran los intérpretes.

En 1984 lanzan un segundo disco denominado 'Disco Pocho' bastante más flojo y con el que pierden toda credibilidad. Es la gota que colma el vaso de las excentricidades y la inaccesibilidad de la propuesta musical de Poch. Esto supondría el fin de la formación.

A partir de ese momento Poch empieza a editar discos bajo este nombre (después como Poch Piza y finalmente como Ex-Poch Pinza), el primero de ellos 'Poch se ha vuelto a equivocar' (sólo el nombre del disco ya me parece una genialidad) con un éxito fuera de todo pronóstico. Su trayectoria de ahí en adelante es más que irregular, cada vez está más descontrolado se autoimpone el título de “Marqués del Tendedero Alto y Bajo”. Edita algún disco más, pero lo enfermedad va haciéndose con el control de su cuerpo hasta que se ve incapacitado para seguir interpretando las piezas que su iluminada mente pare.

Portada del LP 'El chico más pálido de la playa de Gros'

En 1991 se le rinde un sincero homenaje con el fin de ayudarle a través de 'El chico más pálido de la playa de Gros' disco con dibujos de El Hortelano y fotografías de Oukalele y en el que se registran una veintena de las canciones compuestas por Poch e interpretadas por grupos como Gabinete Caligari, Décima Víctima, Fangoria, La Frontera, Esclarecidos,… muchos de los cuales se encontraban en ese momento en la cresta de la ola (otras tantos ya desaparecidos se reunieron para la ocasión).

El 18 de septiembre de 1998 fallece en San Sebastián el inclasificable Ignacio Gasca a consecuencia del corea de Huntington, enfermedad neurodegenerativa hereditaria que se le diagnosticó en su juventud.

Con su muerte se perdió un genio creador demente que inventó temas como este 'Branquias bajo el agua', magnífica canción del verano del 81 de ese universo paralelo en el que lo importante es el talento y la originalidad de las propuestas.

Branquias bajo el agua - Derribos Arias

La canción del verano 1980: Mari Pili

2009-07-17T12:14:00.012+02:00

Hay muchas cosas en las que jamás nos pondremos de acuerdo los seres humanos y una de ellas es en decidir cual es la canción del verano, ese casi siempre infumable tema que se cuela en nuestras vidas a nuestro pesar, como las moscas. A estas canciones pegadizas que terminamos canturreando inconscientemente los alemas las llaman “ohr wurm” (gusano de oído). Se meten en nuestros cerebros por alguna fisura y se instalan ahí hasta que son desalojadas por otra de similares características.

Asumiendo pues que difícilmente llegaremos a un consenso a este respecto y teniendo en cuenta mi afición por eludir la obviedad os propondré en esta y en sucesivas entregas cual fue o debería haber sido a mí entender la canción del verano en diferentes años en nuestro país.

Empezaremos por 1980. En aquel entonces, en Madrid se abrían nuevas salas de conciertos. Una de las muchas que había era “El Escalón”. Allí tocaron un día un grupo imposible de amigos unas canciones cargadas de ritmo e ironía. Al día siguiente José Manuel Costa escribió una crítica de ellos en El País. Al siguiente recibieron la visita de las compañías discográficas. El cuarto día ya habían fichado con Hispavox y el quinto estaban grabando la que sería canción del verano de ese 1980 (al menos para mí). Así de vertiginosamente ocurrían las cosas.

El grupo se llamaba Ejecutivos Agresivos hacía ska y estaba formado por: Juan Luís Vizcaya a la batería (sustituido en alguna ocasión por Edi Clavo), Paco Trinidad al bajo (que una vez disuelta la formación organizó las llamadas “Hornadas Irritantes” y posteriormente se convirtió en productor de infinidad de grupos como Hombres G, Duncan Dhu Ronaldos, Enemigos,…), Carlos Entrena como voz solista aunque escondida tras un flanger de guitarra (después pasó a cantar en Décima Víctima, ya sin artificios), Poch al cargo de un sintetizador Korg y de los teclados (singular personaje que daría forma al grupo Derribos Arias), Jaime Urrutia a la guitarra solista (que pasó a liderar Gabinete Caligari) y Jorge Cuní con la rítmica.

Portada del single 'Mari Pili'

Como grupo permanecieron en activo durante algo más de dos años, de los cuales año y medio estuvieron en Hispavox. En ese tiempo tan solo vieron la luz dos singles, el segundo de los cuales no fue tan siquiera promocionado, pues hartos de la compañía discográfica, los Ejecutivos Agresivos ya habían anunciado su disolución.

El primero de los singles que sacaron si recibió en principio un importante apoyo por parte de la compañía. Se trataba de una canción fresca con una letra cargada de una fina ironía que la discográfica no supo entender y se lanzó como canción del verano. Sonaba en todas las radios, y los miembros del grupo se vieron inmersos en una campaña de promoción aberrante y agotadora. Descubrieron el circo de la música y como las listas de éxito no están influidas sólo por las ventas.

Una serie de desplantes por parte del grupo a la compañía y ciertas disputas internas entre de los directivos de la misma hizo que el grupo cayera en desgracia y aquel verano no se reeditó el disco, de modo que aunque lo podías oír en todas las emisoras de radio, no se encontraba en las tiendas de disco.

La carrera musical de este grupo formado por otra parte por algunos de los más importantes personajes de la música pop española de los 80 fue un desastre. Su cantante, Carlos Entrena hace una magnífica crónica de las aventuras y desventuras de esta formación en su web. En cualquier caso parieron algunas de las canciones más divertidas de la “nueva ola” entre ellas, o especialmente, este 'Mari Pili' que fue, sin lugar a dudas la canción del verano de 1980.

Mari Pili - Ejecutivos Agresivos

Barquito de nuez

2009-07-03T12:36:00.000+02:00

‘Barquito de nuez’ es una canción original de Francisco Gabilondo Soler “Cri crí”, popularizada por “Los Payasos de la Tele” (es decir Gaby, Fofó y Miliki) y que yo le cantaba y aun le canto a mi hijo para dormir en la versión realizada por Los Chulis (grupo liderado por Bunbury en el que de manera esporádica y por mero impulso graban versiones de toda índole). A él le gusta mucho y la escucha incansablemente en el radio-CD del coche.

¡Felicidades campeón!

Barquito de nuez - Los Chulis

Billie Jean

2009-06-29T12:48:00.015+02:00

Hace unos días murió otro de los mitos del pasado s.XX. Sirva esto de pequeño homenaje a la figura de Michael Jackson, artista polifacético, cuyo talento se vio eclipsado por una personalidad excéntrica y una vida marcada por la polémica y la controversia.

Inició sus pasos junto con sus hermanos haciendo pop bailable dentro de la fábrica de éxitos que supuso la Motown, para adentrarse posteriormente en el funk-rock e incluso la música disco. Considerado el rey del pop es junto con Prince el mayor icono negro del post soul. Esto no lo digo yo, sino Luis Lapuente, tal vez la máxima autoridad en música negra de nuestro pais, quien también lo considera uno de los mayores talentos del soul.

Este tema que os propongo de Michael Jackson es de sobra conocido por todos. De hecho la interpretación que de él hizo en especial que con motivo el 25 aniversario de la Motown se realizó, supuso el espaldarazo definitivo para la ya exitosa carrera del artista. Sin más, pues poco puedo añadir yo sobre la figura de "Jacko", les dejo con 'Billie Jean'.

Billie Jean - Michael Jackson

Spider-Man

2009-06-26T13:07:00.011+02:00

Para poner fin a esta espiral de nostalgia que me está transportando a unos rincones de mi memoria musical inusitados, hoy os traigo un tema, escrito por el oscarizado Paul Francis Webster y compuesto por Robert Harris en 1967, que se ha convertido en un estandard de la música americana, muy popular y con infinidad de versiones. Se trata del tema de la serie de dibujos animados (de ese mismo año 1967) Spider-Man.

Al oírla me traslado ya no a esas meriendas frente al televisor, sino a las largas tardes de veraneo estival en las que devoraba insaciable tebeos del “Asombroso Spider-Man” (de los publicados en los 70 por Vértice) que compraba al módico precio de “3 tebeos 20 duros” en la calle comercial del pueblo en el que pasábamos mi familia y yo gran parte de las vacaciones.

Como ya digo existen multitud de versiones de este clásico, que además se han multiplicado con las exitosas producciones cinematográficas que sobre el arácnido personaje se han llevado a cabo. Aerosmith, Apollo 440, Michael Bublé o The Ramones aportan su punto de vista al tema. Podéis encontrar un listado bastante completo de versiones de esta canción y escucharlas en el siguiente enlace:

http://www.animatedsuperheroes.com/2008/09/spider-man-theme-song-67.html

Os recomiendo especialmente la realizada por Tim Tamashiro, aunque a continuación podréis disfrutar de la hicieron en 1995 The Ramones, pues es la que al fin y al cabo me empujó a escribir sobre el tema que hoy nos ocupa.

Spider-Man - The Ramones

Waltzing Matilda

2009-06-19T10:47:00.011+02:00

Veo un anuncio por televisión y me inunda nuevamente la nostalgia, esa amiga ñoña y taciturna de la memoria que nos pone en la boca una mueca a medio camino entre la sonrisa y el congojo. El anuncio es de telefonía y la canción me transportó repentinamente a un punto indeterminado de mi infancia en el que me encontraba nuevamente sentado ante mi aparato de televisión, viendo una serie infantil australiana que usaba como sintonía la misma canción que el mencionado anuncio. Si bien la serie me gustaba, más me gustaba la música que utilizaban en los créditos.

La canción de la que hablo, es ‘Waltzing Matilda’, aunque la que aparecía en “El Valle Secreto” era una versión con la letra modificada para adaptarla a la línea argumental de la serie.

‘Waltzing Matilda’ es el himno oficioso de Australia, cuya primera puesta en escena tuvo lugar en 1895. Se atribuye la autoría de la misma al poeta y periodista australiano Andrew Barton Paterson (también conocido como “Banjo”), aunque este punto no está del todo claro. Según dicen, la música fue compuesta por Christina MacPherson (parece ser que basándose en una tonada popular más antigua) y el poema que sirve de letra para la misma fue lo que realizó “Banjo Paterson” a partir de un cuento que le explicó la propia Christina.

La canción, escrita utilizando la jerga australiana de la época, nos viene a contar la historia de un vagabundo perseguido por la justicia por robar una oveja y que prefiere morir ahogado en un río antes que ser atrapado. Sin embargo, tampoco hay consenso en lo referente a la interpretación de lo que dice el texto, puesto que tras este cuento del vagabundo ladrón de ovejas, muchos ven la lucha del pueblo contra el poder y el sistema que les oprime. Para agregar más confusión si cabe, parece ser que originalmente el poema trataba sobre el arresto de un líder sindicalista durante la huelga de esquiladores, y que posteriormente Paterson lo modificó, aunque tampoco esta del todo claro este punto.

En cualquier caso se trata de una canción con mucho arraigo en Australia. Propuesta, pero no aceptada como himno de la nación, se ha terminado convirtiendo, como ya he dicho, en el himno no oficial de la misma.

Pero volvamos al anuncio. Los maquiavélicos creativos consiguen apelar a mi infancia utilizando una versión de este tema interpretada por niños (como en la serie que me la dio a conocer). Hay otras muchas llevadas a cabo por artistas de lo más variopinto como la de Tom Waits o la de Bon Jovi (ambas interpretadas en directo) pero yo os pienso torturar con la hacen los niños de “Countdown Kids” y que ha provocado ese acceso de nostalgia en mi. Por si no tenéis suficiente con el anuncio aquí tenéis ‘Waltzing Matilda’ en las inocentes y angelicales voces de estos niños.

Waltzing Matilda - Countdown Kids

Sueños en TV

2009-06-04T14:12:00.001+02:00

Entre 1984 y 1988 hubo un programa de televisión que sin duda dejó una huella indeleble en la mayoría de los niños de mente inquieta que tuvimos la oportunidad y fortuna de verlo con asiduidad, y que nos hace singulares. Somos la generación que desayunaba los sábados con ‘La Bola de Cristal’ y este hecho en apariencia insignificante se ha revelado con el tiempo, en cierta forma, como diferenciador.

Con el "revival" de los 80 que hemos estado viviendo desde hace unos años, el fácil acceso a archivos de vídeo que nos proporciona Internet y las reediciones en DVD, esto se ha diluido un poco. Pero a finales de los 90, cuando no contábamos con nada de eso, mencionar este programa en una reunión de amigos de mi generación suponía, en muchos casos ,un torrente de recuerdos aislados que brotaban de la memoria de unos y otros y que se entrelazaban atropelladamente como piezas dispersas de un puzzle.

Mucho se podría hablar de este hito irrepetible de la televisión española, fruto de una coyuntura cultural muy particular. Pero pienso que no es este el foro adecuado para ello.

Por ‘La Bola de Cristal’ pudimos ver pasar prácticamente a todo el que era alguien (e incluso a algunos que no le eran) dentro del panorama musical independiente de Madrid y “provincias”. Fueron multitud las canciones que tuvieron cabida en las ondas gracias a este programa. De entre ellas hoy quiero destacar una que, tal vez, dentro del maremagno musical que supuso el programa, pasó un poco desapercibida. Se trata de ‘Sueños en televisión’ concebida he interpretada por un Santiago Auserón en plena ascensión al estrellato con su banda Radio Futura y que, como otras cuantas canciones que se dejaron oír esas mañanas de sábado, fue escrita expresamente para el programa. Al contrario que temas como ‘No se ría’ o ‘La bola de cristal’ más orientados al público al que, en principio se dirigía la emisión, esta canción es, musicalmente y en cuanto a texto, más adulta. Se encuentra plagada de guiños y metáforas, algo que no solo no extraña en Santiago Auserón, sino que siempre ha sido la tónica general en sus composiciones. Ningún verso de la letra de esta canción es azaroso y en todos ellos se puede encontrar una intención, ya desde la primera frase, haciendo clara referencia al parpadeo propio de los aparatos de televisión.

Desde mi punto de vista la canción no ha perdido frescura con el paso del tiempo y el videoclip es impagable, muy en el estilo de las realizaciones que solían llevarse a cabo en ‘La Bola de Cristal’ (fue uno de los primeros que se hicieron para este programa) y con un Santiago Auserón sobreactuando y destilando chulería.

Sueños en TV - Santiago Auserón

Girl, you’ll be a woman soon

2009-05-27T16:06:00.001+02:00

“Girl, you’ll be a woman soon...” así cantaban Urge Overkill en 1994 de manera casi obsesiva dentro de mi cabeza, en aquel año en el que todo ocurría muy deprisa y al mismo tiempo parecía no cambiar. Aquel año en el que el futuro se precipitaba sobre nosotros con intención homicida. Todo era trascendental, decisivo, definitivo y a un tiempo todo carecía de la más mínima importancia. Y en mi cabeza seguía sonando insistentemente aquella canción.

Años antes, en 1967 Neil Diamond (su autor) ya había entonado ese “Girl you’ll be a woman soon...” que mi cerebro no paraba de repetir. Yo ignoraba este punto. También ignoraba quienes eran aquellos tipos con aspecto de acabar de despertar de un largo sueño de 20 años y que desde un escenario sobre uno de esos barcos turísticos que surcan los ríos de incontables ciudades, me cantaban a mi directamente.

De nuevo una canción que habla (en primera persona) sobre un "outsider" (quién no se ha sentido alguna vez así).

De nuevo una canción más recordada por la versión o el “cover” que por el original.

No se ha tratado el asunto directamente en este blog, pero tampoco es la primera vez que pongo una canción a la que le ha sucedido algo similar (‘The man who sold the world’, ‘Brand new Cadillac’). Canciones de las que, en muchas ocasiones se desconoce su autor original y se vinculan directamente al artista o grupo que ha realizado la versión. De este tema podríamos hablar largo rato e ilustrarlo con múltiples ejemplos, que en algunos casos nos llegarían a sorprender, pero no es momento para ello.

“Oh, girl, you’ll be a woman soon, please come take my hand...” era un grito sordo en un tiempo en el que el bullicio no nos permitía escuchar nuestros propios pensamientos. La oigo hoy de nuevo y me transporta brevemente a esos años que afortunadamente acontecieron, pasaron y no volverán.

Girl, you'll be a woman soon - Urge Overkill

Ángel de Orión

2009-05-13T17:11:00.014+02:00

Ayer 12 de mayo de 2009 murió, a los 51 años de edad Antonio Vega. Uno de los más reconocibles y reconocidos autores de aquello que con el tiempo se ha venido a conocer como “Movida”. Lideró o colideró durante unos años la banda Nacha Pop. De esa época provienen la mayoría de los temas que casi todos podemos enumerar de él: ‘La chica de ayer’, ‘Lucha de gigantes’, ‘Una décima de segundo más’, ‘Se dejaba llevar’… De su también dilatada carrera en solitario, tal vez la canción más recordada sea ‘El sitio de mi recreo’.

Sus más recientes apariciones en los medios, su vuelta a la carretera con Nacha Pop o sus intervenciones como colaborador con artistas de toda índole pueden dar lugar a polémica (algunas de estas colaboraciones no se entienden demasiado), pero aun considerando como lo hago que tanto él como Enrique Urquijo se encuentran sobrevalorados frente a otros autores de su misma generación (esto no es culpa de ellos, sino, como viene siendo habitual de los medios), hemos de mostrar el mayor de los respetos ante un artista como éste que, hasta el último momento, estuvo haciendo lo que mejor sabía: componer e interpretar canciones (y muy bien por cierto).

No cabe discusión sobre la valía como autor e intérprete de Antonio Vega que, a todas luces, se encuentra fuera de duda, pero quizá, como les ocurre y ocurrió a otros compañeros de profesión, han pesado mucho los éxitos de juventud, que grabados en la memoria de todos han impedido prosperar a otros temas nuevos de igual o incluso mayor calidad pero carentes de esa valor añadido que, nos guste o no, aporta la nostalgia.

Sea por mi empecinamiento en desmarcarme en la medida de lo posible de lo esperado, sea por aportar lo que esté en mi mano en la lucha contra la sordera de los medios, me niego a poner, por ejemplo, ‘La chica de ayer’. En recuerdo de Antonio Vega y para que sus más recientes creaciones tengan también un hueco en nuestra memoria, hoy os propongo un tema del que a la postre a resultado ser último disco editado por el madrileño, ‘3000 noches con Marga’ (de 2005 y dedicado a su compañera Marga del Río, fallecida en 2004) titulado ‘Ángel de Orión’ fue el primer single de este álbum y es, probablemente, una de las mejores composiciones que aparecen en él.

Ángel de Orión - Antonio Vega

Brand new Cadillac

2009-05-06T14:03:00.024+02:00

Ziggy Stardust, alter ego creado por David Bowie para su disco conceptual ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’, existió realmente y su nombre era Vince Taylor. Vince fue un excéntrico cantante de rockabilly, fuertemente influenciado por Eddie Cochran y Gene Vincent que con una imagen impactante (enfundado en cuero negro y maquillado) interpretaba canciones entre movimientos espasmódicos. Su adicción a la droga y el alcohol le convirtieron en un personaje desequilibrado que, tan pronto pretendía evangelizar al público durante una de sus actuaciones creyéndose San Mateo, como aseguraba poder enumerar los lugares de la Tierra donde aterrizarían los extraterrestres. Si bien, esto fue durante su caída como estrella de rock, a finales de los 60 y durante los 70. Pero como Ziggy Stardust, Vince Taylor , cuyo verdadero nombre era Brian Maurice Holden, tuvo su ascenso a finales de los 50 con la grabación de la más recordado y reconocible de sus canciones ‘Brand New Cadillac’ y sobre todo a principios de los 60, momento en el que tomo forma definitiva su personaje de Vince Taylor durante una actuación con su banda que redundó en un contrato de seis años con el sello Barclay.

Vince Taylor, o mejor dicho Brian, fue un tipo con una suerte extraordinaria y con un tesón aún más extraordinario por arruinar las oportunidades que la fortuna le otorgaba. Nacido Gran Bretaña, en el seno de una familia de escasos recursos económicos, pronto emigraron a EEUU instalándose en la ciudad de Nueva Jersey, contando Brian con tan solo siete años. El primer golpe de suerte le llegó cuando su familia emparentó con Joseph Barbera (copropietario de la productora Hanna-Barbera) al contraer su hermana matrimonio con él. Fue Joseph Barbera el primero que le dio una oportunidad a Brian, llevándoselo a Londres, donde la escena rock estaba en plena efervescencia. Allí montó una banda llamada The Playboys, con la que grabó sus primeros singles, de escasa repercusión en cuanto a ventas. Fue entonces cuando Brian decidió cambiar su nombre por el de Vince Taylor, y también fue entonces cuando su impredecible personalidad consiguió que la banda que había formado le abandonase, por primera, pero no por última vez.

El mito se estaba fraguando. Su hasta entonces banda (que había cambiado su nombre por The Bobby Clark Noise) había conseguido una actuación en al teatro Olimpia de París y Vince, echando a un lado su orgullo, les pidió actuar con ellos. Los miembros de la banda aceptaron. Vince Taylor salió a escena con la imagen con la que a partir de entonces sería recordado (cuero negro de cabeza a los pies) y se comió el escenario. Ese día les llegó el estrellato, recorriendo Europa como Vince Taylor & his Playboys los siguientes dos años realizando, principalmente, versiones de clásicos del rock&roll.

Ese fue el ascenso. Pero los sucesivos desplantes a su banda y sus adicciones destrozaron la carrera de Vince Taylor. No fue por falta de oportunidades, ya que en 1969 el sello que le vio triunfar, Barclay, le permitió grabar nuevamente e incluso le consiguió actuaciones hasta que a mediados de los 80 se retiró a Suiza, donde trabajó como mecánico de aviones hasta su muerte en 1991. Pareciera como si se hubiese empeñado una y otra vez en acabar con su fama, o quizá en multiplicarla y convertirse en mito (o más probablemente lo único que hizo fue sencillamente vivir, sin plantearse esto o aquello).

‘Brand New Cadillac’ (1958) es tal vez el mayor éxito a nivel compositivo de Vince Taylor. Se anticipó un poco a su época por estilo y también por sonido, algo más duro de que lo que se venía escuchando a finales de los 50 en Europa. Es probablemente debido a eso que no obtuviese grandes ventas cuando se editó como single. Sin embargo, con los años, ha sido mitificado y versionado por bandas de toda índole como The Clash en su LP ‘London Calling’ (1979) y, ya aquí en nuestro país, por unos jovencísimos Loquillo y los Trogloditas que la incluyen en su álbum de debut ‘Los tiempos están cambiando’ (1980) con el nombre de ‘Cadillac’ o Gabinete Caligari que grabaron una versión instrumental en directo de este tema en 1985.

Podríamos considerar ‘Brand New Cadillac’ como el primer gran hit del rock&roll europeo.

Brand new Cadillac - Vince Taylor

Frases de transbordo

2009-04-30T11:57:00.007+02:00

No son estos chicos de Marvin Green unos recién llegados al mundo de la música, y eso se nota al verlos tocar en directo. Llevan algunos años acumulando experiencia en formaciones de dispar repercusión. Pero si que son unos recién llegados en mi universo sonoro y eso es novedad en este blog donde, normalmente, trato canciones que de un modo u otro han formado o forman parte de mi vida. ¿A qué obedece esta excepción? Muy fácil, en esta ocasión el flujo está funcionado en sentido inverso. Es a través de un antiguo compañero de viaje, miembro de la banda, que su música llega a mí.

Por supuesto esa no es la razón por la que Marvin Green aparecen en Subid la Música, esa es la causa, la razón se encuentra en las canciones. Pop-rock contemporáneo con influencias soul, blues y folk. Tienen un directo muy vibrante al que he tenido la oportunidad de asistir y del que entre otras cosas puedo decir dos: que son unos músicos de destacada profesionalidad y que hubo un momento en el que era imposible no ponerse a mover los pies con el ritmo que transmitían.

La trayectoria musical de los miembros de Marvin Green viene de lejos, sin embargo, como tales comienzan su rodaje en 2008 registrando en 2009 su primer EP: ‘No pasa nada’ integrado por seis temas que sirven de perfecta carta de presentación del grupo y entre los que destaca el que da título al trabajo, tal vez el más luminoso de todos, con una impronta soul muy interesante. Sin embargo, como me gusta, en la medida de lo posible, no caer en la obviedad, os traigo el cuarto tema del EP de Marvin Green, ‘Frases de transbordo’, una canción que me ha gustado especialmente.

Disfruten sin prejuicios de este grupo y si tienen la oportunidad de verlos en directo no duden en hacerlo.

Frases de transbordo - Marvin Green

Después de brindar

2009-04-22T10:24:00.018+02:00

No se si alguna vez lo he dicho, pero me encantan las canciones cinematográficas (yo las llamo así). No me refiero a las canciones que se basan en películas, no (qué sentido tendría una afirmación de estas características), estoy hablando de las canciones que en sí son una película. Canciones que te cuentan una historia de forma tal que te pareciere estar viendo un film. Son temas que te envuelven y trasladan, que te narran una sucesión de acontecimientos con asombrosa maestría. Carlos Berlanga era muy dado a este tipo de composiciones (de casta le viene al galgo, dice algún maldito refrán...) de su repertorio acuden a mi memoria ‘Deseo carnal’ (deliciosamente decadente), ‘Perlas ensangrentadas’ u ‘Otra dimensión’ (es como estar viendo una película de serie B)…

‘Después de brindar’ se puede englobar en este tipo de canciones. Compuesta por Ariel Rot para ‘Hablando solo’ (1997) su álbum de regreso como solista tras la fructífera aventura de Los Rodríguez, nos cuenta una historia, o una porción de una historia, a través de una letra cuidada y plagada de detalles que le confieren profundidad a la narración y que consiguen trasladarte al escenario en que se desarrolla. Según el propio Ariel, la letra surge de una frase que su padre dijo durante un viaje a Cuba y que se le grabó en la memoria: ‘a veces, los sueños de los padres son las pesadillas de los hijos’. Aparte de todo esto se trata de una canción que me impactó desde la primera escucha, en su versión acústica, que es la que a continuación podéis escuchar. Esta versión pertenece a un disco grabado en agosto de 2003 como preparación para una gira por teatros y que apareció incluido en una reedición de ‘Lo siento Frank’.

No quiero añadir mucho más, sólo os pido que disfrutéis os emocionéis y dejéis llevar por esta canción, sencilla y directa. Escrita con un lenguaje cercano que nos mete de lleno en sus entrañas y nos envuelve. Con un clímax y un desenlace como pocas veces he tenido oportunidad de oír y recreada con poco más que una guitarra un piano y como no la voz de Ariel.

Después de brindar - Ariel Rot

Gólgota (entre dos ladrones)

2009-04-10T12:00:00.002+02:00

“Gólgota (entre dos ladrones)” en un tema de corte instrumental, incluido como cara b (junto a “La vida es cruel”) de “Obediencia y nada más”, single auto-publicado en 1982 por Gabinete Caligari en plena etapa post-punk. Se trata de un tema menor, desconocido incluso para muchos aficionados a la música del trío madrileño. Se reeditó en el recopilatorio que DRO sacó del grupo dentro de su serie “Héroes de los 80” y con posterioridad en el cd “Sombras Negras” que incluía todos los cortes que el grupo grabó dentro de la onda siniestra (que fue como se denominó a este estilo en su época).

Una rareza dentro de las rarezas del grupo, pero dado que el título hace referencia al monte Gólgota, donde según cuenta la tradición Cristiana el Mesías fue crucificado y puesto que nos encontramos en plena Semana Santa, consideré oportuno dar a conocer esta pieza.

Siempre me ha fascinado cómo suena la batería de Edi Clavo en este tema. Hipnótica.

Gólgota (entre dos ladrones) - Gabinete Caligari

The man who sold the world

2009-04-08T12:17:00.003+02:00

La primera mitad de los años 90 son un poco extraños en lo musical. En nuestro país languidecían los héroes de los 80 sin que se llegue a producir relevo generacional alguno por parte de unos grupos indie que no terminan de cuajar. La escena británica se encuentra totalmente agotada y trata de mantener el tipo con grupos que no terminan de convencer. El único punto en el que parece florecer algo novedoso es en los EEUU, concretamente en Seattle, en el estado de Washington. Allí tiene lugar la eclosión de un sonido proveniente del indie, con claras influencias del punk e incluso del metal. Un sonido crudo, lleno de distorsiones y melodías repetitivas, se trata del grunge. Este estilo musical realmente tiene su origen en los años 80, pero no tiene repercusión hasta los primeros 90, en los que se da a conocer a las masas de la mano de bandas como Soundgarden o Nirvana. Pero la industria, ávida como estaba de novedades, fagocitó el género y lo devolvió convertido en un producto comercial con el que vender desde refrescos hasta coches. Esto supuso el fin del grunge, pues, convertido en moda, sus días estaban contados.

Este fenómeno de transformación de movimiento musical alternativo en producto comercial para consumo de masas lo sufrió de manera muy personal Kurt Cobain, líder de Nirvana que, que con serios problemas de adicción y una personalidad compleja no pudo soportar la presión de los medios. El 8 de abril de 1994 Kurt Cobain es encontrado en su casa después de haber puesto fin a su vida de manera voluntaria.

Kurt Cobain uno de los bastiones del sonido Seattle, ascendido a la categoría de mito por todo lo que rodea a su temprana muerte, es recordado, lamentablemente para él, por un concierto acústico que grabó en Nueva York para la MTV (de lo cual se arrepintió en posteriores declaraciones) y más concretamente por una versión que hizo en él de “The man who sold de world” de David Bowie, que no sólo no desmerece al original si no que para algunos (no me incluyo entre ellos) supera a la que en 1972 grabó el propio Bowie. Personalmente considero ambas versiones a la misma altura, si bien, conocí este tema a través del cover que Cobain interpretó en dicha grabación de 1993 con Nirvana. Disfruten de la desgarradora y melancólica interpretación que realiza de este clásico uno de los más recientes mitos del rock&roll.

The man who sold the world - Nirvana

Nacidos para dominar

2008-05-15T14:07:00.010+02:00

Las efemérides se acumulan. Cantaba Loquillo “...ha habido demasiadas muertes en el panteón del rock&roll”. Ayer hizo 25 años que murió en un accidente de circulación Eduardo Benavente joven realidad de la música española, que dejó un puñado de buenas canciones, su leyenda y la incertidumbre de no saber hasta dónde habría llegado con su talento de no ser por lo prematuro de su muerte.

Cuando uno conoce el legado de canciones que dejó Eduardo Benavente sorprende profundamente saber que su primer grupo lo formó junto a Nacho Cano, se llamaba Prisma y acabó en pelea. Después conoció a los Tequila y junto con el hermano de uno de sus miembros formó Plástico. Mientras tanto (estamos hablando de 1980) entra a sustituir al batería de los Pegamoides, huido a Ejecutivos Agresivos tras la entrada en el grupo de Ana Curra. Alaska y los Pegamoides consigues al fin una formación estable y graban “Terror en el hipermercado” y “Hospital”. Eduardo encaja perfectamente en la formación debido a la energía que imprime con sus baquetas, sin embargo ciertos problemas con la compañía de discos Hispavox le impulsaron a formar junto con su hermano Javier el grupo Escaparate aunque sin abandonar Pegamoides. En su música y estética aun se notaba la influencia del sonido Tequila.

El cambio en Eduardo Benavente se produce cuando Alaska y los Pegamoides hacen de teloneros de las Modettes un grupo de chicas minifalderas británicas. Eduardo se liga a una de ellas y se va tras sus pasos a Londres. Allí descubre el after-punk, bandas como Siouxi o Killing Joke y se vuelve de su periplo cargado de discos. Tras su regreso convence a Olivido Gara y Ana Curra para realizar otro viaje a la capital de las islas británicas y ahí se transforma definitivamente el sonido de Alaska y los Pegamoides, que por influencia directa de Eduardo Benavente se vuelve más oscuro. Esto choca de frente con Carlos Berlanga, que hasta entonces había sido el principal cerebro del invento Pegamoides y que era más cercano a la música pop, festiva, colorista y desenfadada. Este enfrentamiento dentro de las filas de Pegamoides supuso la disolución del grupo. Berlanga inició por su parte el proyecto Dinarama (al que posteriormente y de manera definitiva se unirían Olvido Gara “Alaska” y Nacho Canut que en principio permaneció junto a Eduardo).

Como ya hemos visto, Eduardo Benavente tenía en marcha un proyecto paralelo a Pegamoides llamado Escaparate en el que dio rienda suelta a ese sonido “after-punk” recientemente adquirido y que pasó a llamarse Parálisis Permanente.

Pero la influencia de Eduardo Benavente no terminó en Pegamoides. En aquel año 1980 existía un grupo, de los llamados seminales, que estaba a punto de desintegrarse y la relación de sus miembros con Eduardo hizo que los proyectos emergentes se tiñesen de negro. Así de las cenizas de los skatalíticos Ejecutivos Agresivos surgieron Gabinete Caligari, Décima Víctima y Derribos Arias, en todos los cuales se hace notar en mayor o menor medida la influencia estética del líder de Parálisis Permanente.

El primer single de Parálisis Permanente estaba compartido con Gabinete Caligari e incluía los temas ‘Autosuficiencia’ y ‘Tengo un pasajero’. El estilo de ambos grupos se englobaba en lo que se denomina “música siniestra” si bien cada grupo poseía una personalidad propia, que acercaba a la banda de Eduardo Benavente al punk mas enérgico y anárquico, mientras que los de Urrutia creaban atmósferas más oscuras y opresivas con su rock gótico.

Portada del primer single compartido por Parálisis Permanente y Gabinete Caligari

Tras este primer single editado en 1981, Parálisis Permanente saca un segundo single, ya en solitario que incluía los temas ‘Quiero ser santa’ (creada en origen para los Pegamoides), ‘Unidos’, ‘Yo no’ y ‘Un día en Texas’. En 1982 publican su primer LP titulado “El acto” que obtuvo un éxito rotundo en cuanto a ventas se refiere, superando las nueve mil copias de la primera tirada. Los conciertos se incrementan por toda el territorio nacional, tenían galas todas las semanas. En 1983 grabarán ‘Nacidos para dominar’ y ‘Sangre’ que conforman el que a la postre sería último single del grupo.

El 14 de mayo de 1983 a las cinco de la tarde, volviendo Ana (pareja sentimental de Eduardo Benavente y teclista del grupo), Toti Árboles (que había tomado las baquetas tras pasar Johnny Canut a Los Nikis) y Eduardo de un concierto en León, por la A-68 dirección Zaragoza para tocar en un festival, el Seat Ronda en que viajaban se salía de la carretera por la lluvia en las proximidades de Alfaro (La Rioja). Tras varias vueltas de campana, Eduardo Benavente fallecía de inmediato a la temprana edad de veinte años.

‘Nacidos para dominar’ pese a haber sido grabado en marzo, se editó de manera póstuma. El grupo se disuelve tras la muerte de Eduardo Benavente, cuya influyente figura paso a la categoría de mito. Jamás sabremos hasta que cotas creativas habría llegado el joven Eduardo, aunque ya se adivinaba una evolución en el sonido de ‘Nacidos para dominar’ en la que la melodía empieza a ganar protagonismo a los riffs de guitarra.

Aunque el tema más recordado de Parálisis Permanente es ‘Autosuficiencia’ toda una descripción de lo que se supone ha de ser un “siniestro”, he preferido poner para recordar a Eduardo Benavente ‘Nacidos para dominar’, que desde mi punto de vista es, musicalmente hablando, uno de los mejores temas de la banda, con un sonido más depurado.

Nacidos para dominar - Parálisis Permanente

I've got you under my skin

2008-05-14T12:10:00.005+02:00

Hoy hace diez años que desapareció el último miembro vivo del “Rat Pack”, con el murió gran parte de ese siglo XX que por aquel mayo del 98 también agonizaba, ese siglo XX que cada vez es menos nuestro y más de los historiadores. Hoy hace diez años que murió Frank Sinatra (“La Voz”) y con él una forma de entender la vida, la amistad. Con él murió esa Las Vegas que muchos sueñan y que ya por aquel entonces sólo existía en su memoria y tal vez en algún rollo de celuloide.

Cuando pienso en Sinatra, pienso en swing, en big bands, en una cena en el “Dino’s Lounge” con los amigos, en casinos regentados por capos de la mafia (y no por ejecutivos de grandes corporaciones), en black-jack, ruleta, dados y por supuesto poker. Pienso en bourbon, en mujeres fatales, en fiestas en la suite del “Sands Casino Hotel”. Cuando pienso en Sinatra pienso en esa vida soñada por muchos de lujos, fiestas y excesos. Pienso en todo eso y probablemente no me equivoque. Pero también pienso en el paradigma del crooner, pienso en una persona volcada en su trabajo, que trataba cada canción de una manera especial, que se entregaba al cien por cien en todos sus proyectos. En Dean, Sammy, Peter y Joey amigos inseparables por los que todo lo daba y de los que recibía todo. Pienso en ‘Night and day’, ‘I’ve got you under my skin’, ‘Fly me to the moon’, ‘Strangers in the night’, ‘That’s life’ y por supuesto (a mi pesar) pienso en ‘My way’ .Pienso en todo eso y se que ahí, no me equivoco.

La carrera musical de Frank Sinatra está plagada de éxitos, de desapariciones y de resurgimientos. El último de ellos los protagonizó con los discos de duetos publicados en 1993 y 1994. No diré que fuesen esos discos los que me dieron a conocer a “El Viejo Ojos Azules”, tendría que haber estado recluido en una burbuja para no haber oído algo de Sinatra, pero sí que lograron acercarme más a su música. Concretamente fue ‘I’ve got you under my skin’ cantado a dúo con Bono el tema que me sirvió de acicate para acercarme a un tipo de música que por aquel entonces no frecuentaba.

I've got you under my skin - Frank Sinatra

Amor de madre

2008-05-04T20:12:00.006+02:00

'Amor de madre’ es un precioso bolero que aparece registrada en el álbum ‘Privado’ (1989) de Gabinete Caligari. Compuesta por Jaime Urrutia, está obviamente dedicada a su madre. Ella tan sólo pudo escuchar la maqueta de la misma, ya que desgraciadamente falleció antes de la publicación del LP. Sobre una preciosa melodía se desarrolla una letra de corte costumbrista, estilo que el maestro Urrutia maneja a la perfección, que nos traslada a esa maravillosa patria que es la infancia. A más de una y de uno se les escapará una lagrimita si es que alguna vez han sentido u ofrecido ese ‘Amor de madre’.

Amor de madre - Gabinete Caligari

Castillos en el aire

2008-04-30T12:29:00.005+02:00

Alberto Cortez es uno de los más prolíficos autores y cantantes argentinos del s.XX. Magnífico compositor y mejor poeta, a él debemos una gran cantidad de temas, quizá no del todo conocidos por estos lares, y mucho más en tiempos como en los que vivimos. Sin embargo, indagando un poco en su, por otra parte, extensa discografía, podemos encontrarnos con muy gratas sorpresas. Más que canciones nos toparemos con magníficas poesías, confeccionadas con un lenguaje sencillo y cercano que nos hablan de lo divino y de lo humano. Letras cargadas de rebeldía de compromiso social y por supuesto de amor.

Una de sus más conocidas composiciones es ‘Castillos en el aire’ (1980). La escuché muchas veces de pequeño. Después, durante un tiempo le perdía la pista. No conocía el título, ni el autor, ni siquiera recordaba la letra completa. Nadie supo darme referencias de ella. La volví a escuchar tras, ya digo, muchos años en una actuación televisiva de Dyango. Esto acabó de despistarme del todo, pues a partir de entonces orienté mi búsqueda en esa dirección, lo cual resultó del todo equivocado. No ha sido sino hasta hace bien poco y gracias a la inestimable ayuda de Internet, que he logrado recuperar esta pieza que se hallaba grabada en mi memoria, pero que el paso del tiempo ya había desgastado en demasía, hasta casi borrarla.

Castillos en el aire es un cuento, la historia de los vencidos, de los inconformistas, de los soñadores, en definitiva de los locos. Persiguiendo un ideal, ridiculizados por todos, son finalmente derrotados por una sociedad que se queda perpleja al constatar como aquel que todos tachaban de “pobre idiota” logra alcanzar la dicha. Los vencidos, ya digo, que no los perdedores. Personas a las que se les lastra el corazón con piedras, a fin de tenerlos controlados, bien cerca del suelo, para que compartan el mal de muchos, que no es consuelo de nadie. Personas a las que se extirpan las alas y con ellas la envidia de la mirada de aquellos que jamás se atrevieron a ser felices.

Me gusta identificarme con ese loco, con el “pobre idiota” que pretendía “volar igual que las gaviotas”, aunque de sobra se que yo no soy como él. Sin embargo no siento envidia, si no admiración por los que lo arriesgan todo por un sueño imposible... de ellos es la vida.

Castillos en el aire - Alberto Cortez

PD. No es del todo cierto que yo, de vez en cuando, no construya mis castillos en el aire y logre tomar algo de altura... qué triste sería todo de no ser así...

Summer son

2008-04-22T17:53:00.007+02:00

He de admitir que esta canción al principio no me llegó. Confieso que durante algún tiempo he tenido bastantes prejuicios en lo que se refiere a la música. Así, por ejemplo, todo lo que sonase electrónico y bailable me producía cierto rechazo. Afortunadamente poco a poco me he ido despojando de esos prejuicios y trato de escuchar todo tipo de estilos y quedarme con lo que de cada uno me gusta. De esa forma he rescatado, por ejemplo, este 'Summer son' del grupo escocés Texas. Un tema pop, muy bailable y con unas guitarras contundentes, pertenecientes al LP 'The Hush' de 1999.

Como ya digo, Texas es una formación escocesa, que toma su nombre de la película 'Paris, Texas' (1985) cuya banda sonora fue una gran influencia para los miembros fundadores, y que editó su primer álbum allá por el año 1989 bajo el título 'Southside', álbum que incluía una de las más celebérrimas canciones del grupo: 'I don’t want a lover'. Texas es el proyecto musical de Johnny McElhone veterano bajista de la escena rock de su país, al que se incorpora como cantante una chica espectacular y de voz prodigiosa: Sharleen Spiteri. Ambos se encargarán de las tareas de composición de los temas. A ellos se les unirán Ally McErlaine, como guitarrista, Stuart Kerr, como batería y Eddie Campbell a los teclados. Aunque la formación ha ido variando a lo largo de los años, añadiéndoseles y perdiendo miembros según las circunstancias.

En sus tres primeros LPs, Texas factura un rock con sonoridades influenciadas por el blues, de destacable calidad en el primero de ellos, pero que fue perdiendo frescura, en los dos siguientes, hecho que acabó pasándoles factura en el capitulo de ventas. Ésto les hizo replantearse se carrera, y tras un parón de 4 años regresan en 1997 con 'White and blonde', disco que supuso un punto de inflexión en lo musical. El cambió les devolvió a las listas de éxito y se ve confirma en los siguientes álbumes de estudio. Su sonido había evolucionado hacia el soul, el pop y la música disco. Las guitarras pierden protagonismo frente a los secuenciadores y samplers. De esta nueva etapa surgen temas como 'Say what you want' (que podríamos considerar ya un clásico del grupo de Glasgow) o éste 'Summer Son' que hoy os traigo, editado como single, y que como no, nos habla un poco de los amores de verano, con un ritmo que invita a moverse.

Summer son - Texas

Boadicea

2008-04-10T10:29:00.005+02:00

Hubo una época en la que nunca faltaba en mi mochila de viaje una cinta que contenía los dos primeros álbumes de Enya, ‘The Celts’ y ‘Watermark’. Asiduo lector de fantasía épica (esta era prácticamente la única literatura de la que me alimentaba en aquel entonces), escuchaba una y otra vez los temas registrados en el casete, y mientras contemplaba el paisaje desde la ventanilla del vehículo que me transportara en esa ocasión, mi imaginación volaba por los campos cuajados de verdes brotes de cereal, recorriendo, bien a pie, bien a caballo las ondulaciones que el terreno presentaba. Otras veces ascendía grises y amenazadoras estribaciones montañosas y algunas otras recorría angostos caminos cuajados de despeñaderos, siempre en pos de alguna aventura. Artefactos antiguos, minas ocultas... en realidad nunca pensaba en el acontecimiento que podía haber desencadenado aquel viaje, ni cual sería el final del mismo, a mi imaginación sólo le importaba el camino, al fin y al cabo eso era y sigue siendo lo primordial. No importa donde acabemos, lo importante es lo que ocurre hasta que llegamos a nuestra meta. Las experiencias vividas, lo que nos encontramos durante el viaje, eso es lo que nos enriquece. El camino.

"El camino sigue y sigue desde la puerta
el camino ha ido muy lejos, y si es posible he de seguirlo
recorriéndolo con pie decidido hasta llegar a un camino más ancho
donde se encuentran senderos y cursos
¿Y de ahí adónde iré? No podría decirlo".

(J.R.R. Tolkien)

Eithne Patricia Ní Bhraonáin, cantante y compositora de música new age, nació en 1962 en el Condado de Donegal (Irlanda). Su seudónimo, Enya, proviene de la adaptación a la fonética y ortografía inglesa de su nombre. Sus inicios musicales los encontramos en Clannad, grupo familiar al que perteneció hasta 1982, momento en el que se lanza a la carrera en solitario debido a ciertas rencillas acontecidas en el seno de la formación.

Tras componer y cantar algunos temas para bandas sonoras y editar un EP de escasa repercusión, la BBC contrata a Enya para que sonorice una serie documental sobre los celtas. Esto dará lugar al primer álbum de la irlandesa titulado ‘The Celts’ (1987), que obtuvo un gran éxito en los mercados británico y estadounidense, pero que no trascendió al resto del mundo hasta después de la publicación de ‘Watermarks’ (1988), primer gran éxito internacional de la artista.

Aunque el auge que la música new age experimentó a finales de los 80 fue remitiendo poco a poco en la década de los 90, Enya ha seguido editando discos y cosechando éxitos, si bien cada vez menos multitudinarios. Personalmente, le perdí un poco la pista a partir de su tercer álbum, ‘Shepherd Moons’ (1991), debido a una creciente afición al rock que me alejó de la influencia musical que sobre mí había ejercido mi hermano mayor (gracias al cual conocí esta y otras músicas igualmente interesantes)

‘Boadicea’ pertenece al primer larga duración que editó Enya, ‘The Celts’. Se trata de un tema instrumental, como todos los que componen el disco a excepción hecha de ‘I want tomorrow’. Boadicea o Boudica fue una reina celta que logró reunir en torno suyo a varias tribus para llevar a cabo uno de los mayores levantamientos contra la ocupación del Imperio Romano que se produjeron en Britania. Entre los años 60 y 61 d.C. aproximadamente, el ejército reunido por Boudica bajo el estandarte de Andrasta, diosa de la victoria, logró arrasar varias ciudades tomadas por los romanos, así como acabar con la Legio IX Hispana. Pero, finalmente, la disciplina y superioridad táctica de las tropas romanas pusieron fin a la revuelta protagonizada por los britanos, a pesar de que en esa última batalla, éstos se encontraban en mayor número. Boudica, consciente del desastre y ante la imposibilidad de la huída, decide suicidarse tomando veneno, para evitar de esa forma captura y desgracia.

Boadicea - Enya

Sangre española

2008-04-04T11:00:00.016+02:00

“El Pasmo de Triana domina la muerte...” así empieza ‘Sangre española’, de Gabinete Caligari, que vio la luz en forma de single en 1983 y que forma parte del LP del mismo año ‘Que dios reparta suerte’, primero del grupo.

Sorprendió mucho en su momento que una formación como Gabinete Caligari, precursores en España, junto a los Parálisis Permanente de Eduardo Benavente, de la llamada “onda siniestra”, pasasen de recrear con su rock gótico unos ambientes oscuros y opresivos, a descolgase, de repente, con un swing dedicado la mítica figura del torero Juan Belmonte. Por supuesto , con la perspectiva que nos da el paso del tiempo y teniendo en cuenta el repertorio que compondrán en sus 18 años de andadura musical, no nos extraña nada este tema y, en realidad lo vemos más cercano a lo que el imaginario popular tiene asociado con la banda madrileña por antonomasia, encontrando más ajenas al grupo canciones como ‘Olor a carne quemada’, ‘Cómo perdimos Berlín’, ‘Obediencia’ o ‘Golpes’ compuestas en los años precedentes. Sin embargo, una atenta observación del cancionero de Gabinete Caligari nos permite darnos cuenta de que nunca dejaron de investigar nuevos ritmos y sonoridades, sin perder esa personalidad que los hace tan fácilmente reconocibles y que debe mucho a la peculiar voz de Jaime Urrutia.

En 1981 se reúnen en un estudio de grabación Edi Clavo (batería), Ferni Presas (bajo) y Jaime Urrutia (voz y guitarra) para registrar dos canciones ‘Golpes’ y ‘Sombras negras’ que, junto con otras dos de sus camaradas Parálisis Permanente, darán forma el debut discográfico de ambos grupos (autofinanciado y bajo el sello discográfico Tres Cipreses, creado por ellos mismos para la ocasión y que con posterioridad sería absorbido por DRO). Los dos primeros provenían de Ella y los Neumáticos, un grupo mod con una jovencísima Christina Rosenvinge como Ella y Jaime había militado en el combo Ejecutivos Agresivos que manejaban sonidos como el ska tan en boga en las islas británicas.

La idea original de estos tres jóvenes nada tenía que ver con los que después sucedió. Ellos habían pensado formar un grupo tipo Madness, mas acorde con lo que hasta entonces habían hecho. Pero se cruzaron en su camino unos vinilos de after-punk británico que el entonces Pegamoide Eduardo Benavente se trajo bajo el brazo después una aventura londinense tras las faldas de una chica y, como suele decirse en estos casos, el resto ya es historia. El nombre del grupo, la estética y el sonido se vieron influenciados por esta nueva música. Pero al poco tiempo otra eventualidad bien distinta hace cambiar definitivamente el rumbo de esta formación. Jaime y Edi, cantante y batería, son llamados a filas, lo cual supone un parón en la actividad de Gabinete Caligari, pero, a cambio, supuso también la ampliación del espectro musical de la banda. En palabras de ellos mismos, en le cuartel sólo se escuchaba a Los Chichos, Los Chunguitos y demás. Los Caligari se dieron cuenta de que a parte del rock y la música de influencia anglosajona había algo más y que la mayoría de la gente escuchaba esa otra música de raíces españolas. Así pues, quitándose los complejos de modernidad que lastraban a la mayoría de grupos, se lanzaron a mezclar esa base rockera que poseían con las influencias de música y temática cañí. De esa mezcla salen aproximadamente la mitad de las canciones que conformaron este primer álbum del grupo, ‘Que dios reparta suerte’. El resto de temas pertenecen a su anterior etapa y habrían formado un disco propio de no ser por la incorporación al servicio militar que sufrieron cantante y batería (a mediados de los 90 sí editan un cd bajo el título de ‘Sombras Negras’ recopilando todos los temas de su época siniestra).

Así pues, en ‘Que dios reparta suerte’ nos encontramos una amalgama de estilos que van desde el psyco-billy con acompañamiento de castañuelas del tema que da título al LP, hasta canciones de oscura temática como ‘Grado 33’, pasando, por supuesto, por el swing cañí de ‘Sangre española’. Para rematar la confusión de estilos, los miembros del grupo aparecen en la portada fotografiados con indumentaria rocker en el poblado vaquero del desierto de Tabernas (en Almería).

Portada y contraportada del sigle "Sangre española"

‘Sangre española’ sirve de homenaje a la figura de Juan Belmonte, rememorando su trágico final. Este torero sevillano, nacido en 1892, rival en los ruedos y amigo fuera de ellos de José Gómez Ortega “Gallito” (o “Joselito”), miembro de hecho y de derecho de la “Generación del 98” (sólo que él expresaba su arte de forma diferente al resto), fue autodidacta y rompió con el paradigma considerado hasta entonces ley natural de "o te quitas tú o te quita el toro" y lo transformó en "no te quitas tú ni te quita el toro, si sabes torear". La aportación de Belmonte al toreo fue en esencia de carácter estético, convirtiéndose en el nuevo patrón a seguir por las futuras generaciones de toreros.

Juan Belmonte, convertido ya en un ganadero de casi 70 años, perdió la vida por voluntad propia en 1962, pistola en mano. Aunque él ya estaba muerto, murió al 16 de mayo de 1920 en la plaza de toros de Talavera de la Reina, junto con su eterno rival y sin embargo amigo “Joselito el Gallo”. Finalmente, en esa rivalidad que los medios habían creado entre ambos, a ojos del maestro Belmonte, su amigo le había ganado la partida.

En cuanto a mi historia personal con respecto a esta canción, podría contarla, pero ‘Sangre española’, al igual que el resto de temas creados por Gabinete Caligari, ha empapado el tejido de más de la mitad de mi existencia de tal manera, que me resulta imposible desentrañar en que modo y momento empieza a formar parte de mi, por lo que finalmente tendría que contar mi vida casi por completo, y creo que esta entrada ya es suficientemente larga ¿no os parece?

Sangre española - Gabinete Caligari

La Estatua del Jardín Botánico

2008-04-01T08:32:00.003+02:00

Cayó en mis manos allá por el 89 (ha llovido un poco desde entonces, no?)el disco en directo de Radio Futura, Escuela de Calor. Por aquellos entonces me gustaba comprar directos de lo más variados (A por ellos... que son pocos y cobardes, de Loquillo y los Trogloditas; Serious Hits Live, de Phil Collins...), y es que siempre he odiado la música enlatada y los playbacks.

Creedme si os digo que durante más de año y medio ese cassette (tal fue el formato elegido)apenas salíó de mi inseparable walkman, y puedo dar fe de la buena calidad del mismo, porque no se rompió ni perdió calidad de audio con toda la tralla que le dí. Imagino que dada la edad en que me encontraba y la situación personal de entonces contribuyeron a hacer que "perdiera" horas al día reflexionando, pensando, comiendome el tarro con los hermanos Auseron como banda sonora perpetua. Y es que había temas que, a poco que rascaras, te contaban cosas muy interesantes.

Y uno de esos temas era "La estatua del Jardín Botánico". Era aquella una edad muy mala, empezaban los escarceos más o menos amorosos, empezabas a definirte como persona (o personaje, en algunos casos como el mío) y cuanto más oía la canción, más me identificaba yo con esa estatua, en medio de "un jardín tan extraño", tan diferente a todo lo que le rodeaba, tan estática, pensativa, reflexiva, y dejando pasar los días "sin tomar una determinación".

Radio Futura fue, sin duda, uno de los buques insignias del panorama musical en España. Dejaron joyas como "La Negra Flor", "Escuela de Calor" o la insuperable "Anabel Lee", y también verdaderos himnos como "Enamorado de la Moda Juvenil" o la mismísima "Escuela de Calor". Luego vinieron los tiempos de "Veneno en la Piel", que le otorgaron un gran éxito entre el público y la crítica en general, aunque personalmente, para mí, fue el principio del fín de la banda. Menos mal que siempre nos quedará Juan Perro, para seguir disfrutando.

Traigo esta canción a este blog como tributo a aquellos años (que tampoco tienen por qué ser los mejores, ojo), y en honor al recién celebrado Baile de la Rosa de Mónaco, inspirado este año en la Movida Madrileña cuelgo este video con una estética muy ochentera, y con un jovencísimo Santiago Auseron:

El hombre que casi conoció a Michi Panero

2008-03-31T12:05:00.007+02:00

Al fin traemos por estos lares un tema actual, o al menos bastante reciente, concretamente este ‘El hombre que casi conoció a Michi Panero’ se publicó por primera vez en el 2005.

A Nacho Vegas, autor de la canción que nos ocupa, lo conocí a través del disco que sacó junto con Enrique Bunbury en 2006: ‘El tiempo de las cerezas’, un doble álbum que, si bien no me apasiona, veo interesante su escucha, pues se pueden descubrir en él algunas pequeñas joyas musicales.

Nacho Vegas proviene de las primeras hornadas de grupos “indie” de España, que vieron la luz a principios de los 90 y que, por lo general, me espantan. Militó en Manta Ray hasta finales de dicha década, momento en el que abandonó la formación para iniciar su carrera en solitario.

Podemos definir a este asturiano como a un cantautor de música folk, intimista, de enrevesadas letras que se alargan hasta lo imposible y que se adentran en muchas ocasiones en el campo de lo onírico. A pesar de todo, en su música podemos reconocer fácilmente una tendencia al rock y, eso si, unas inquietudes creativas, por decirlo de alguna manera, poco ortodoxas.

‘El hombre que casi conoció a Michi Panero’ me cautivó desde la primera escucha. La letra, que no tiene desperdicio (recomiendo estar atentos a ella), rinde su particular homenaje a la figura de José Moisés Santiago (Michi) Panero Blanc, intelectual, literato sin obra alguna publicada, columnista, dandi, noctámbulo y mujeriego. Este destacado personaje del Madrid de los 70 y 80, abandonado por casi todos, falleció en Astorga (ciudad de su infancia) en 2004, víctima, tal vez, de la intensidad con la que apuró la vida.

El hombre que casi conoció a Michi Panero - Nacho Vegas

Quiero besarte

2008-03-25T18:26:00.007+01:00

Hoy os traigo un no se si muy conocido tema de los, por otra parte, conocidísimos Tequila. Alejo Stivel, Ariel Rot, Julián Infante, Felipe Lipe y Manolo Iglesias, en palabras de Diego A. Manrique, desvirgaron a este país (que es España) en cuestión de rock&roll. Un rock&roll de claras influencias “stonianas”, tanto en el sonido, como en la estética, desinhibido, contagioso, fresco y por supuesto, cantado en castellano (algo no tan habitual en aquella época como se pudiera pensar).

Tequila fue convertido rápidamente en fenómeno de fans, una estrategia de Zafiro, su discográfica, que supo aplicar la experiencia adquirida a mediado de los 60 con Los Brincos. Pero Tequila poseía la suficiente calidad y autenticidad como para gustar también a un público que demandaba otro tipo de música que no fuera la propuesta por grupos como Los Pecos o baladistas de toda índole.

‘Quiero besarte’ (1979) es un tema muy funky, con una de esas letras desenfadadas que firmaban los Tequila. Historias y experiencias muy cercanas para los jóvenes de la época (y, por qué no, para los de ésta y los de las que haya habido entre tanto).

Quiero besarte - Tequila

First we take Manhattan

2008-03-19T11:47:00.014+01:00

Corría el año 1988 cuando Leonard Cohen lanzó al mercado 'I’m your man', para algunos, obra cumbre, como músico y cantante, de este polifacético autor canadiense, nacido en 1934.

Yo aun era un niño, pero ya desde la primera vez que escuché a Leonard Cohen cantar aquello de “First we take Manhattan...” me atrajo su voz grave, a punto de romperse y el contrapunto que ofrecían los coros femeninos. Me atrajo la música que acompañaba a aquellas voces, muy de la época, con unos arreglos muy electrónicos. Y me atrajo el video clip que realizaron para el tema.

Recuerdo perfectamente haberlo visto varias veces por TV. Y recuerdo, también, como logró que mi interpretación de la historia que encerraba la canción fuese totalmente errónea. Mis conocimientos de inglés por aquel entonces eran mucho más limitados de lo que lo son ahora (si no nulos), e imaginaba que aquel señor de abrigo negro y voz ronca nos cantaba una especie de historia de amor y espías durante la Guerra Fría (misteriosos maletines, una chica, trenes que parten hacia la frontera, aquel papel arrugado con los nombres de Manhattan y de Berlín...)

Ahora se que la letra de la canción nada tiene que ver con lo que yo pensaba, si no que se trataba de una reivindicación de su obra y un ajuste de cuentas con su discográfica, Sony, que no quería en un primer momento producir el disco, tras veinte años de contrato con él (“They sentenced me to twenty years of boredom / For trying to change the system from within / I’m coming now I’m coming to reward them”).

Ya digo que aquel LP salió al mercado en 1988. En esos años los discos estaban fabricados en vinilo y aun se vendían singles. De alguna forma convencí a mi madre de que ella quería el single que contenía esta canción (supongo que realmente lo querría o que se dio cuenta de que era evidente que el que lo quería era yo). El caso fue que lo compró y, aunque no se trataba del tipo de música que se espera que escuche un niño de la edad con la que yo contaba en aquel entonces, no es menos cierto que escuché infinidad de veces la cara A del single en la cadena HI-FI que teníamos en casa.

Como cara B, ‘First we take Manhattan’ traía otro gran tema del canadiense: ‘Take this waltz’, una adaptación musicada del poema de Federico García Lorca ‘Pequeño vals vienés’. Pero para ser fiel a la realidad, he de decir que no recuerdo haber escuchado jamás esa canción en aquella pequeña joya de plástico negro. Se conoce que mis inquietudes musicales y mi curiosidad no dieron tanto de sí como para que le diese la vuelta al disco (qué más le podemos pedir a un niño).

Garota de Ipanema

2008-03-14T12:27:00.011+01:00

Un sábado cualquiera a una hora indeterminada de esa tierra de nadie que es la madrugada, un aprendiz de noctámbulo regresa tras una noche de farra. Se sienta en la cama y conecta la radio. El volumen, al mínimo, la música es apenas audible, pero lo inunda todo como si se tratase de la luz de un candil. Un ritmo sosegado, sensual y contagioso, una melodía dulce como el acento de la voz que la acompaña. Un latido que se funde con los del propio corazón haciéndose uno solo.

Por la mañana, en otro lugar y otro tiempo, en un conocido café, los clientes parecen hipnotizados por algo que sucede en el exterior. Una chica baja por la calle en dirección a la playa, lo hace cada día. Más de uno de los contertulios acuden puntuales su “cita” para verla pasar. El mundo parece acompasarse con el ritmo que va marcando el vaivén de sus caderas, y en los corazones de dos de los presentes ese ritmo va tomando forma.

El latido que hace de eje común a estas dos historias se llama bossa-nova, termino que empleaban los jóvenes brasileños de los años 50 y 60 para referirse a cualquier cosa o estilo nuevo, y que con posterioridad pasó a denominar a una nueva forma de entender la samba. En la bossa-nova, la samba sale de la calle y entra en los clubs, donde se puede disfrutar de ella con tranquilidad y en los que termina fundiéndose con el jazz y el jazz con la bossa-nova enriqueciéndose ambos estilos con el encuentro.

En esta historia, el aprendiz nunca llegó a maestro, pero escuchando cada sábado aquel programa de radio, llegó a amar la bossa-nova. Por su parte los contertulios del afamado Café Veloso, inspirados por la chica que cada día bajaba a la playa compusieron esta preciosa bossa-nova titulada “Garota de Ipanema”. Los nombres de los protagonistas: Vinicius de Moraes, que en 1962 escribió la letra y Antonio Carlos Jobim que la musicalizó. El aprendiz y la chica también tienen nombre, pero no creo que aporten nada a la historia, por lo que los prefiero obviar.

Garota de Ipanema - Jobim/Moraes

En cualquier fiesta

2008-03-03T12:17:00.013+01:00

Fernando Márquez ‘El Zurdo’ firma este tema en 1984. Una especie de canción de despedida, pues ese mismo año abandonará temporalmente los escenarios (no así su actividad creativa, que aunque discreta ha sido continua) y por ende La Mode, formación en la que militaba junto a Antonio Zancajo y Mario Gil

Es ‘El Zurdo’ un personaje que no despierta todas mis simpatías, pero al que respeto como artista y que a dado forma a algunas de las más hermosas canciones pop (a él debemos himnos como ‘Para ti’, de Paraíso). Con un sonido claramente influenciado por Roxy Music, y unas letras llenas de poesía y guiños literarios, Fernando Márquez ‘El Zurdo’ alcanza con La Mode su cenit creativo, pasando poco después de su marcha de la formación, al más absoluto ostracismo (esta desaparición del panorama cultural no fue deliberada y debemos quizá buscar las causas en ciertos asuntos de índole política).

En 1996, y por casualidad, llega a mis manos ‘Para ti...’, un álbum que Fernando grabaría en solitario un año antes y en el que hace un repaso de algunos de sus temas mas conocidos. Lo encontré, ya digo, por casualidad en una feria de coleccionismo (de las que era asiduo visitante). En ese tiempo todo lo relativo a la música de la década de los 80 era denostado, y yo me encontraba ávido por redescubrir lo que consideraba pequeñas joyas del pasado, así que no dudé en hacerme con el CD de aquel Fernando Márquez ‘El Zurdo’ del que algo había leído en las crónicas de la década pasada. El disco no me decepcionó en absoluto y, de hecho, posteriormente adquirí un doble (casi triple) álbum en el que se recogían todas sus grabaciones con La Mode y algunos temas de Paraíso (su anterior formación). El tecno-pop elegante que registraron en aquellos temas era un rara avis dentro de mi discoteca personal siempre más cercana al rock.

‘En cualquier fiesta’ sabe a baile de antiguos alumnos, a pre-resaca, a reencuentro, a elegancia decadente, a lazos que el paso del tiempo no logrará romper, a memoria y a olvido, a copas vacías en mesas a medio recoger de salas de fiesta a punto de cerrar, a descanso tras una vida tal vez demasiado intensa, a fuera máscaras, a Martini con soda, a traje blanco y pajarita él y vestido de noche ella, a añoranza por lo que aun está por llegar... La escuchaba en mi walkman mientras volvía a casa de la Facultad y me imaginada a mi mismo en el futuro como un viejo dandi bailando con la chica que, por aquel entonces, pensaba que se alejaría de mi vida irremisiblemente, y con la que, fantaseaba, me encontraría muchos años después, como dice la canción “en cualquier fiesta...”

En cualquier fiesta- La Mode

Hurricane

2008-02-28T19:22:00.007+01:00

Es curioso como llegó esta canción a mi vida. Siempre que la escucho recuerdo cómo fue la primera vez que disfruté con ella. Sonaba atronando la Escuadrilla de Destinos, del ACAR de Tablada, desde un radiocasete mono encima de una taquilla. El dueño de tan arcaico aparato no acertaba a decirme de qué tema se trataba, ni que artista la intrepetaba. Mi dificultad con la pronunciación inglesa (o yanki, más bien) y mi total desconocimiento de la carrera artística de Bob Dylan hicieron el resto. Pero la canción caló en mí.

Tanto fue así que muchos años después la volví a escuchar, y no tardé mucho en reconocer esos acordes de guitarra y violín que caracterizan a la composición. Esta vez tuve suerte, y el locutor me sopló el título y el autor, y ya a partir de entonces siempre que iba a algún Corte Inglés, al Sevilla Rock (¡qué tiempos!), al Carrefour (por aquellos entonces Continente) siempre buscaba el CD de Dylan que contuviera tal joya.

Finalmente lo conseguí, y el CD ha pasado a engrosar mi discoteca, y la canción ya ha perdido para mí esa parte mágica que tenía cuando la escuchaba exclusivamente en programas de radio muy distanciados en el tiempo y se resistía a que la encontrara enlatada. Aún así cada vez que la escucho no puedo dejar de recordar con nostalgia aquellos tiempos cuarteleros, aquellos personajes que se cruzaron conmigo durante un año en la ya defenestrada Mili, todos con sus miserias, sus alegrías, sus ganas de empezar a comerse el mundo...

Vaya por ellos, especialmente por El Gato, que no sobrevivió muchos meses a su reingreso a la vida civil.

Hurricane - Bob Dylan

Tu vuò fa l'americano

2008-02-25T10:52:00.012+01:00

Nunca antes había escuchado nada acerca de Renato Carosone, hasta que hace unos años llega a mis odios por dos vías el nombre de este autor e intérprete de canción napolitana. Por un lado a través de la banda sonora de una película de Anthony Minghella ‘El talento de Mr. Ripley’ (basada en la novela homónima de Patricia Highsmith) y por otro lado, también a través de una banda sonora, pero en este caso de un anuncio de electrodomésticos. ‘Tu vuò fa l'americano’ (‘Quieres hacerte el americano’) y ‘Pigliate ‘na pastiglia’ (‘Tómate una pastilla’) son los temas que llegaron a mi, ambos muy frescos y divertidos, con ese toque mediterráneo que tanto me gusta. El segundo era una novedad absoluta para mi, pero el primero recordaba haberlo escuchado en mi infancia.

Renato Carosone fue uno de los más importantes músicos italianos del s.XX. Su máximo éxito lo alcanzó durante los años 50, pero continuó actuando hasta finales de siglo, a pesar de que en 1960 (durante el cenit de su carrera) anunció su retirada de los escenarios para dedicarse a otras actividades. Fue quizá ‘Torero’ su mayor éxito a nivel internacional (traducida a múltiples idiomas), aunque evidentemente, yo prefiero el tema que hoy os traigo.

‘Tu vuo' fa' ll'americano’, escrita en el dialecto propio de Nápoles, ironiza sobre la moda que se vivió (¿y se vive?) entre la juventud italiana (¿sólo la italiana?) de querer parecerse a los americanos, y lo hace a golpe de boggie-woogie (otra ironía más).

Resulta imposible no dejarse llevar por el ritmo que imprime este tema.

Tu vuò fa l'americano - Renato Carosone

Space Oddity

2008-02-20T11:31:00.010+01:00

No es esta una canción que forme parte de la historia de mi vida, le descubrí hace unos pocos años, pero creo que siempre estuvo almacenada en algún rincón de mi memoria esperando a que estuviese preparado para disfrutarla.

‘Space oddity’ es una composición del inigualable David Bowie de 1969 (ese año el hombre llegó a la Luna y el Comandante Tom se quedó colgado en las estrellas). Narra, de manera sublime, un supuesto episodio de la entonces recién estrenada carrera espacial. La música acompaña en todo momento el desarrollo de la acción y el dramatismo en la interpretación vocal que realiza Bowie es extraordinario (el modo en que dice “Tell my wife I love her very much, she knows”, la desesperación del Control de Tierra ante lo inevitable...)

Las lecturas que de este tema se pueden sacar son diversas y como en toda obra de arte subjetivas (dependerán, en todo caso, del oyente que se enfrente a ella) y no quedan exentas las referencias a las drogas, máxime teniendo en cuenta que 11 años después volvemos a tener noticias del Comandante Tom en “Ashes to ashes” donde se refiere abiertamente a él como “yonkie”.

Personalmente el tema me transmite un sentimiento de abandono, del hombre que, tras ser repentinamente consciente de una realidad que no es capaz de enfrentar, o de unas circunstancias que le superan, cesa su lucha y se deja llevar. En cualquier caso me parece una obra de arte de excepcional belleza de uno de mis músicos favoritos, que merece la pena disfrutar sin prejuicios.

Space Oddity - David Bowie